Calypso Rose - Far From Home (2016)

Calypso Rose es la embajadora de la música caribeña, leyenda viva del calypso ("kaiso") y del soca, el género antillano nacido en el contexto del carnaval, con raíces tanto africanas como europeas que surge en el siglo XIX (que vive su apogeo hacia la década de los años 60 y 70), y cuyo origen se sitúa en las comunidades urbanas de origen africano de Trinidad y Tobago.
Rose McCartha Linda Sandy Lewis nació el 27 de abril de 1940 en la pequeña isla de Tobago, república de Trinidad & Tobago, en las Antillas Inglesas. Hoy en día vive en el Queens en Nueva York pero regresa varias veces al año a su isla para regenerarse, dice "encuentro en Tobago a mis raíces africanas…". Hija de un pastor, Rose comienza a cantar con 15 años y, desde entonces, ha dedicado su vida entera a la música, "No me he transformado en una cantante de calypso, he nacido Calypso".
Pasó 17 años cantando en cruceros para una compañía estadounidense antes de tener la oportunidad de cantar en los mundialmente famosos Teatro Apolo y Madison Square Garden con dos de los mayores exponentes del calypso: Lord Kitchener y Mighty Sparrow.
Calypso Rose es una trabajadora incansable, ha escrito más de 800 canciones y grabado más de 20 discos producidos en el mundo entero. Comparada con Miriam Makeba y Cesária Évora, todas las comunidades del Caribe –anglófona, francófona o hispánica - la reciben con fervor: es la única artista femenina a quien han coronado en el famoso carnaval de Trinidad, ya en 1978, y en haberse llevado cinco veces seguidas el premio de "Calypso Queen". Calypso Rose es un icono. Su personalidad, su carisma y su alegría de vivir hacen de ella una cantante del alma. Una cantante de Soul, Gospel, de Blues y por supuesto de Calypso, una diva de la música popular.
En Far From Home (2016) nos encontramos con un desfile musical caribeño con cambios de ritmo, color y estados de ánimo, en el más puro estilo del Carnaval que, más que un ritual festivo, es el principal evento cultural de Trinidad y Tobago y personifica el alma así como la diversidad social y étnica de su población.

La producción ejecutiva la lleva Jean-Michel Gibert (quien ha manejado la carrera de la artista desde su álbum A Dirty Jim en 2005). La producción corre a cargo de Ivan Duran, y Drew Gonsalves (de la banda Kobo Town) co-escribe algunas de las canciones y compone los arreglos. Por su parte, Manu Chao co-produce y deja su huella inconfundible cantando en tres canciones ("Leave Me Alone", "Far From Home" y "Human Race") y tocando el charango. El arte gráfico del álbum con ilustraciones de Maxime Mouysset.
Calypso Rose no sólo es una artista totalmente única, sino también una figura heroica cuya vida entera es una lección. "Far From Home" no sólo reboza de alegría, sino que también lleva las huellas de la conciencia siempre alerta de una mujer que todavía está luchando por el bien, la denuncia de la violencia doméstica en canciones como "Abatina" o la injusticia social en "No Madame" (una canción que escribió en la década de los 70 y que ha contribuido a la evolución de las leyes relativas al tratamiento de los funcionarios en Trinidad). Una mujer cuya memoria va más allá de su propia existencia, en "I Am African", para abarcar el destino de toda la diáspora negra, en el mismo espíritu de Bob Marley, a quien conocía bien y con quien compartió escenario en más de una ocasión. Con su valor, su fuerza y su humanidad, sólo ella podía, en estos tiempos de discordia y violencia global, cantar una canción de amor y fraternidad universal tan entrañable como "Human Race".
Un trabajo que le ha valido el premio al mejor disco (en la categoría Músicas del Mundo) en "Les Victoires de la Musique" de la Academia de Música de Francia, el WOMEX Awards de 2016 y el Songlines Music Awards de 2017.

Página web oficial: Calypso Rose

tracks list:
01. Abatina
02. I Am African
03. Leave Me Alone (feat. Manu Chao)
04. Far From Home
05. Calypso Queen
06. Zoom Zoom Zoom
07. Trouble
08. Love Me or Leave Me
09. No Madame
10. Woman Smarter
11. Human Race
12. Wah Fu Dance!





Salah Ammo & Peter Gabis – Assi – A Story of a Syrian River (2014)

Salah Ammo vive en Viena desde 2012 debido a la situación en su país de origen, Siria. Todo lo que trajo de allí fue su bouzouki, su música, su pasión y su sueño musical. La voz conmovedora de Salah Ammo se acompaña de la extraordinaria y sensible instrumentación y del canto de Peter Gabis. Las composiciones que nos presentan están en lengua kurda y árabe y proporcionan un espacio emocionante y de versátil comunicación musical para los dos artistas.
Antes de trasladarse a Damasco para estudiar en el Instituto Superior de Música, Salah Ammo vivió y creció en el norte de Siria, donde los pueblos kurdo, árabe, armenio, y asirio convivieron juntos durante cientos de años. Influenciado por la música de estas culturas, presentó su experiencia con su grupo JOUSSOUR, considerado como una de las bandas interculturales más importantes de su país. Por su parte, Peter Gabis es baterista de jazz, percusionista y cantante de tonos. Estudió en Viena y Nueva York, y es conocido como un sólido percusionista en la vibrante escena vienesa de jazz, habiendo participado en innumerables conciertos y giras en Europa, Estados Unidos, Australia y África. En los últimos años se ha centrado en la música étnica, en paisajes sonoros meditativos y en el canto de tonos, siendo profesor de percusión en el Conservatorio de Viena.
El proyecto de Salah Ammo y Peter Gabis comenzó en 2013, y el resultado es Assi – A Story of a Syrian River, donde las composiciones que realizan reflejan la apertura de los músicos para combinar diferentes estilos de muchas culturas e interpretarlas de una manera totalmente novedosa. Las letras son profundas, e incluso cuando la o el oyente no entiende el idioma, la emocionalidad de los paisajes sonoros que crean transportan al significado de las canciones.

Assi aborda los acontecimientos en curso en Siria y sus consecuencias sobre el pueblo sirio. Se basa en su fuerte creencia de que la música no es sólo una forma de entretenimiento, sino mucho más un acto y estilo de vida, una actitud y una forma de expresión y reflexión sobre los valores y pensamientos de las personas.
Indudablemente, una canción o un disco no son suficientes para narrar el desastre sirio y sus trágicos capítulos de diáspora, opresión y muerte. Por otro lado, ¿qué puede aportar un músico sirio para confrontarlo, que no tiene más que su voz y su música, y las historias que vivió con todos sus sentimientos? Con esta tragedia, la música se convierte en el hogar, el refugio y el lenguaje, que esperanzadamente reúne al pueblo sirio que ha estado separado por la política, el conflicto y la injusticia.
El título del álbum "Assi" es el nombre de un río en Siria (el río Orontes) y significa "desobedecido" porque fluye al revés. En la canción "Assi" se lleva a cabo un diálogo entre Assi y el cantante, durante el cual intercambian ideas sobre la tragedia siria y la traición del mundo al pueblo sirio y a su calvario humanitario. La historia de "Assi" se sitúa metafóricamente en las historias de millones de sirios/as. El río solía ser una fuente vibrante de energía para las ruedas de agua (Nuayir) de la ciudad de Hama (una de las ciudades monumentales más famosas de Siria).
Además de "Assi", el álbum cuenta con otras seis canciones en árabe y kurdo. El álbum contiene un libreto que presenta cada canción en kurdo, árabe, inglés y alemán, diseñado por el artista sirio Ahmad Ali (que reside en Paris).
En definitiva, Assi: A Story of a Sirian River es la respuesta musical de un hombre que perdió su hogar, pero no su esperanza de un mundo mejor.

Página web oficial: Salah Ammo, Peter Gabis

tracks list:
01. Leysa Lil Kurdi illa Arrieh
02. Assi
03. Sabahkon Huorya, Roja wa Azzadi ba
04. Darweshe Avdi
05. Rojava ma
06. Lami Maqam "Ya man Hawaho"
07. Alhajir





Aziza Brahim – Abbar el Hamada (2016)

La cantante y poetisa Aziza Brahim es, a partes iguales, artista y activista, y su nuevo disco -después del extraordinario Soutak (2014), valorado como uno de los mejores del año- es toda una declaración de intenciones, la búsqueda de la paz en un contexto internacional donde se están levantando muros y fronteras, y donde miles de emigrantes huyen de la pobreza y los conflictos.
En Abbar el Hamada, Aziza profundiza en los sonidos contemporáneos de África Occidental, repitiendo con el productor Chris Eckman (Tamikrest, Bassekou Kouyate…). En el álbum participan el percusionista senegalés Sengane Ngom, el baterista Aleix Tobias (que ha estudiado percusión en Gambia y Senegal), regresa el guitarrista maliense Kalilou Sangare, el bajista, guitarrista y arreglista Guillem Aguilar y el guitarrista Ignasi Cussó. Aziza explica que en Abbar el Hamada "los ritmos tradicionales saharauis (como Asarbat y Sharaa) se mezclan con los tambores y ritmos de África Occidental (especialmente Senegal) y por supuesto los sonidos y ritmos mediterráneos también".

El resultado es un trabajo tan diverso como enérgico. "Hamada" es la palabra usada por el pueblo saharaui para describir el paisaje rocoso del desierto a lo largo de la frontera sur del Sahara argelino Occidental donde decenas de miles de sus habitantes están varados en campamentos de refugiados. "El título del disco sintetiza nuestro destino como pueblo después de los últimos 40 años" dice Aziza, "estamos sufriendo una injusticia que nos condena a intentar sobrevivir en un entorno tan inhóspito como la Hamada".
Con Abbar el Hamada, Aziza Brahim transforma la angustia en canciones, siguiendo la estela de Soutak: difundir el mensaje de liberación y resistencia del pueblo saharaui a escala internacional. (Fuente: Músicas del mundo)

Página web oficial: Aziza Brahim

tracks list:
01. Buscando la Paz
02. Calles de Dajla
03. El canto de la arena
04. El wad
05. La cordillera negra
06. Abbar el Hamada
07. Baraka
08. Mani
09. Intifada
10. Los muros





Ana Tijoux – Vengo (2014)

Ana Tijoux se presenta golpeando almas y conciencias con los versos de su último álbum hasta la fecha, Vengo, aparecido en 2014. Un trabajo que le valió una nominación como Mejor Álbum Latino en la edición de los premios Grammy de 2015. Lejos de arquetipos raperos, la artista se ha labrado una reputación como abanderada del hip-hop de protesta, actitud que acompaña con una rica formulación musical. Ambos aspectos se equilibran perfectamente en una propuesta que ha llamado la atención no solo del público latinoamericano, ya que también ha sido aplaudida en escenarios de Europa y Estados Unidos. Baste señalar que, según The New York Times, Tijoux es "la respuesta latinoamericana a Lauryn Hill".
Ana Tijoux, nombre artístico de Ana María Merino Tijoux, empezó a ser conocida en América Latina cuando participaba en la banda de hip-hop Makiza, hacia fines de los noventa. Su origen chileno-francés se debe a que sus padres (es hija de la renombrada Doctora en Sociología María Emilia Tijoux) fueron exiliados tras el golpe militar del 11 de septiembre de 1973, que derrocó al gobierno del Presidente Salvador Allende. Tras el ascenso al poder de Augusto Pinochet, miles de chilenas y chilenos fueron desaparecidos o exiliados por oponerse al régimen.
Tijoux pudo instalarse definitivamente en su país en 1993, fecha en la que la cantante comenzó a moverse en el mundo del rap local, para luego formar su primera banda Los Gemelos, junto al rapero Zaturno. Pero fue en 1997 cuando hizo su primera grabación profesional en estudio al participar en el trabajo musical La medicina del grupo Los Tetas, uno de los pioneros del funk y del soul en la música chilena.
A la vez que participaba con Los Tetas, Ana Tijoux se sumó a la banda de rap chilena Makiza. Su primera producción con el grupo fue Vida salvaje y la segunda Aerolíneas Makiza. Fue en 2006 cuando la cantante decidió lanzarse como solista. Su primer álbum en esa modalidad fue Kaos (2007), cuyo primer sencillo es "Despabílate!". En el disco destaca también la canción "Gol", que grabó con la cantante de origen mexicano Julieta Venegas (con la que también colabora en el tema "Eres para mí", de Limón y Sal). Asimismo, Ana Tijoux hizo un rap junto al cantante uruguayo Jorge Drexler. Ambos sorprendieron cuando se llevaron el Grammy Latino a la Mejor Grabación del Año por la canción "Universos Paralelos", en la decimoquinta edición de los Grammy Latino de 2014.

El segundo disco de Ana Tijoux fue 1977 (2010), que logró Disco de Oro en Italia, y el tercero fue La Bala (2011). Con su cuarto álbum, Vengo, la artista ha logrado posicionarse en los mejores lugares de venta de Amazon e iTunes. Su trabajo, que presentó en 2015 en 10 localidades de Estados Unidos, llegó a ser número uno en iTunes Latine Alternative. De hecho, el crítico de música Jon Pareles escribió una columna en The New York Times, en la que elogió su forma de hacer música: "Sus composiciones son interpretadas con una calma asertiva, nunca con estridencia".
Mezclando ritmos y culturas, Tijoux nos lanza una bomba sonora de 17 temas, que pasa desde el tinku (Bolivia) hasta el hip hop más ácido y contestatario, incluyendo matices instrumentales con manifiestos emocionales, políticos, llenos de carencias sociales y culturales conocidas por todas y todos. Prueba de ello es "Somos Sur" (donde comparte líricas con Shadia Mansour, rapera de origen palestino); "Antipatriarca", dedicada expresamente a la liberación femenina y reivindicación de la mujer en nuestra sociedad, y "Somos todos erroristas" la que, siguiendo en la línea de las colaboraciones, posee el aporte de Hordatoj.
"Los Peces Gordos no pueden volar" es una canción dirigida a su hijo donde, por medio de su lírica, le muestra las verdades de nuestro sistema, la injusticia y como él (nosotros/as) podemos hacer de nuestro entorno un espacio mejor y más amigable. "Río Abajo" vuelve a ser un tema que exacerba ritmos autóctonos con una letra reivindicadora.
En "Oro Negro", sacando a relucir la versatilidad de su voz sin perder la rítmica del hip hop como base, Tijoux esboza nuevas críticas, esta vez contra la guerra y la ambición que hay tras ella. Un canto a la paz en su estilo, con una armonía agradable que logra su objetivo: llamar a la reflexión y dar a entender que las luchas bélicas por el poder y el enriquecimiento sólo hacen del pueblo alimento para la muerte. Otro punto álgido dentro del presente trabajo.
Fuera de ciertas comparaciones que puedan darse con otras bandas e intérpretes latinoamericanos, Tijoux ha facturado un álbum de combate que también destaca en lo musical, con un hip hop instrumental que repasa un variopinto de ritmos andinos y autóctonos que logran dar un baño nuevo al ambiente musical iberoamericano. Todo un acierto.

facebook: Anita Tijoux

tracks list:
01. Vengo
02. Somos Sur (con Shadia Mansour)
03. Antipatriarca
04. Somos todos erroristas (con Hordatoj)
05. Er-rrro-r
06. Los Peces Gordos no pueden volar
07. Creo en tí (con Juanito Ayala)
08. Los diablitos
09. Interludio Agua
10. Rio Abajo
11. Oro Negro
12. Delta (con Mc Niel)
13. No más
14. Todo lo sólido se desvanece en el aire
15. Emilia (con RR Burning)
16. Rumbo al Sol (bonus track)
17. Mi verdad (bonus track)





Divanhana - Zukva (2016)

Zukva es el título del nuevo trabajo del grupo bosnio Divanhana, que interpreta música tradicional con nuevos arreglos creados bajo la influencia del jazz, el pop y la música clásica del siglo XX. La intención de Divanhana es presentar la música urbana, no sólo de Bosnia y Herzegovina, sino también la música tradicional de toda la región de los Balcanes, con un acento particular en el estilo llamado Sevdah o Sevdalinka. La música Sevdah es el equivalente bosnio al fado portugués. Al igual que el fado, Sevdah (que deriva de la palabra turca "mal de amores") expresa los estados de ánimo románticos, la tristeza del amor perdido y la pasión adquirida, comparable a la saudade.
Divanhana fue fundado a principios de 2009 por un grupo de jóvenes estudiantes de la Academia de Música de Sarajevo. La banda grabó su disco debut Dert en 2011 en el estudio Fattoria Musica de Osnabruck (Alemania) en cooperación con Vanja Muhović. El álbum es el resultado de una investigación etnomusicóloga de dos años reflejada en el hecho de que algunas de las canciones del disco nunca fueron grabadas o publicadas antes.
En 2012, Divanhana fue invitado a participar en dos prestigiosos festivales, uno en Oporto llamado "12 Points" (dedicado al descubrimiento y promoción de jóvenes talentos del jazz europeo) como el único representante de los Balcanes. Al mismo tiempo, la banda fue seleccionada para participar en el evento mundial más importante de música, WOMEX, en Tesalónica en 2012. Ese mismo, la gira llevó a la banda a festivales de Europa Central y del Este: Hungría, Eslovenia, Croacia y Serbia. Entre los conciertos, la banda estuvo continuamente grabando en Belgrado, logrando gran éxito de audiencia con los singles grabados.
A principios de 2013, Divanhana inició su primera gira europea, con exitosos conciertos en Suecia, Alemania, República Checa y Turquía. El álbum Bilješke iz Šestice (lanzado en noviembre de 2013) coronó los dos años de gira, viaje y trabajo creativo de la banda. Después de la publicación de éste segundo trabajo, la banda se presentó en 70 exitosos conciertos en 13 países diferentes de Europa. El extraordinario interés creado en la audiencia hizo que se presentaran cuatro veces en el Balkan Trafik Festival de Bruselas.
En mayo de 2014 publicaron el tema "Zvijezda tjera mjeseca", grabado como la canción oficial de la selección nacional de fútbol de Bosnia y Herzegovina para celebrar su participación en la Copa del Mundo de Brasil. Poco después, la canción se convirtió en un éxito regional, contando con la participación del rey macedonio de la trompeta Džambo Agušev y el virtuoso de la guitarra Emir Hot, de Tuzla.
En febrero de 2015, los miembros de la banda, junto con el productor Borjan Milošević, tomaron un breve descanso de la densa agenda de conciertos para grabar nuevo material en el estudio Fattoria Musica en Osnabrück (Alemania). En mayo del mismo año, en el ambiente creativo del estudio Long Play de Sarajevo, la banda experimentó con el sonido y enriqueció su arte con las melodías de la tamburica eslava, la suavidad de la guitarra clásica de Boško Jović y el violonchelo de Lana Kostić, el virtuoso y creativo violinista serbio Filip Krumes. Y, finalmente, en colaboración con la joven y talentosa artista de Sevdah, Naida Čatić.
Todo el trabajo creativo realizado durante el año 2015 fue unificado y editado bajo un simbólico nombre: Zukva. Zukva es una manzana amarga que crece en Bosnia y Herzegovina, símbolo de las fuertes raíces del patrimonio histórico y cultural de Bosnia y Herzegovina. La banda continúa su viaje por la región de los Balcanes, recogiendo en su bolsa la rica herencia musical de la zona, melodía por melodía, como un cesto de manzanas pequeñas. En ese sendero ondulado, como el árbol de Zukva, se encuentran con rostros opuestos de tradiciones y costumbres que injertan su propia música y que dan, como resultado, el sonido del presente disco.

Página web oficial: Divanhana

Personal:
Naida Čatić: vocal
Neven Tunjić: piano
Nedžad Mušović: acordeón
Azur Imamović: bajo
Rifet Čamdžić: batería
Irfan Tahirović: percusiones

tracks list:
01. Oj Safete, Sajo, Sarajlijo
02. Da sam ptica
03. Ciganka sam mala
04. Zašto si me majko rodila
05. Otkako je Banja Luka postala
06. Emina
07. Sejdefu majka buđaše
08. Zvijezda tjera mjeseca (feat. Emir Hot & Džambo Agušev)
09. Pijanica, bekrija
10. Zapjevala sojka ptica





Sidestepper – Supernatural Love (2016)

Sidestepper es un grupo que ha sido parte importante de la escena musical iberoamericana revolucionando los sonidos tradicionales de la región al mezclarlos con vanguardias sonoras. Su mezcla particular incluye elementos de la música antillana: un poco de dub, drum and bass, dancehall y el ingrediente base, la música colombiana. El grupo liderado por el productor inglés Richard Blair, con su particular fusión, ha inspirando a toda la nueva generación de grupos, iniciando la nueva ola de la música electro-acústica en Colombia desde 1997.
Entre sus filas ha tenido a importantes artistas como el compositor y cantante Iván Benavides (quien fuera la otra mitad de Sidestepper durante una década), Andrea Echeverri (de Aterciopelados), Gloria "Goyo" Martinez (de Choquibtown), Humberto Pernett y Kike Egurrola (de Bomba Estéreo), entre otras y otros.

Cuando se trata de introducir el sabor del groove afrocaribeño en las profundidades de la electrónica, Richard Blair y compañía son pioneros. Supernatural Love es su trabajo más reciente (realizado con ayuda de una campaña de crowfunding), en el que participan Juan Carlos "Chongo" Puello, Eka Muñoz, Ernesto "Teto" Ocampo y "Batatica". Un trabajo innovador en la mezcla de sonidos de todo el mundo, explorando sonidos africanos (Nigeria y El Congo), del Caribe y, por supuesto, los colombianos como la cumbia y el bullerengue. Se trata de un repertorio en el cual cada pieza resulta embriagante, y en conjunto funcionan como un paisaje sonoro cálido y contemplativo que evoca cierta ancestralidad, que es un viaje por los ritmos mestizos pero también el ingrediente para estimular los oídos y danzar en una playa del Caribe.
Sin sobreproducción y de forma natural, Supernatural Love sirve a la persona oyente doce temas que amplifican sus posibilidades expresivas más allá de las convenciones que se ciñen sobre los ritmos que fusionan. Con los cortes de este trabajo, se dejan expuestos los elementos multiculturales que les caracterizan, cada canción da la impresión de ser un ejercicio de exploración de algunos de los sonidos regionales de la zona: tambores de mano, sacudidores de semillas y coctelera, kalimbas, flautas y guitarra, conduciendo la voz melódica y el bajo sintetizador siempre presente, llenándonos de un verdadero sentimiento de unidad con la naturaleza y la vida en sí misma.

Página web oficial: Sidestepper

tracks list:
01. Fuego que te llama
02. On the line
03. Supernatural love
04. Come see us play
05. Magangué
06. Song for the sinner
07. Lover
08. La flor y la voz pt 1
09. La flor y la voz pt 2
10. Hear the rain come
11. Celestial
12. Supernatural soul





Blick Bassy – Akö (2015)

El cantante y compositor Blick Bassy, celebrado como "la nueva voz soul" de Camerún, nos trae su última producción Akö bajo el exquisito sello No Format!. Un disco íntimo y singular que marca un nuevo punto de partida en la carrera de este músico camerunés, afincado desde hace una década en Francia.
Un trabajo que habla del hogar y la separación… pero lo más importante para él es el idioma en el que canta, principalmente, en el disco: el Bassa. Como el mismo señala "En Camerún tenemos 260 idiomas diferentes y en unos cuantos años la mayoría de ellos habrá desaparecido. El idioma todavía es el vínculo entre nosotros y nuestro patrimonio... si yo no hablo Bassa, mi abuelo no puede enseñarme lo que sabe".
Blick Bassy creció en un pueblo llamado Mintaba en el centro de Camerún. Su padre construyó una iglesia donde su madre enseñaba a tocar kora, mientras que Bassy y sus hermanos cantaban. Bassy se nutrió desde la infancia de la cultura tradicional de su país, transmitida sobre todo por sus abuelos, al tiempo que sus padres lo conectaron con la música de Brasil y Estados Unidos, a través de la obra de Gilberto Gil o Nat "King" Cole, entre otros. Este es el punto de partida del mestizaje de su obra.

Bassy empezó su carrera en Africa, inspirándose paralelamente en la tradición musical de Camerún, el jazz y la bossa nova. Tras ganar varios premios internacionales, se estableció en París, donde lanzó su primer disco individual, Léman (2009). En 2011 publicó Hongo Calling, una historia del ritmo tradicional hongo y de su viaje a países como Senegal, Cabo Verde o Brasil. Akö (2015) completa la discografía de Bassy e indica nuevos rumbos.
Akö se caracteriza por su tendencia a la introspección y por una estética personal, presente ya en los trabajos previos de Bassy, pero llevada aquí a bellos gestos en forma de detalles diminutos. En sus canciones encontramos ecos de su herencia cultural y de las músicas que ha ido absorbiendo a lo largo de su vida. Son fragmentos inclasificables, que desafían cualquier intento de etiquetaje.
El canto de Bassy va desarrollándose con las evocaciones del blues y de cierto sonido de Nueva Orleans, con un trasfondo de africano. A ese paisaje van añadiéndose formas como la armónica de Olivier Ker Ourio, los samples de Nicolas Repac, el cello de Clément Petit o el trombón de Fidel Fourneyron, texturas que se suman a las entonaciones de Bassy en Bassa. Bassy no solo utiliza el idioma Bassa como elemento diferenciador, de conexión con sus raíces, sino también como un modo de asumir el canto.
Blick Bassy ha ido consolidando una propuesta musical muy personal, que adquiere fuerza y sentido a partir de su experiencia en dos continentes, y que sigue expandiéndose, acogiendo nuevas estéticas y nuevas combinaciones sonoras. Para no perdérselo.

Página web oficial: Blick Bassy

tracks list:
01. Aké
02. Kiki
03. Wap Do Wap
04. Lon
05. Tell Me
06. One Love
07. SJ
08. Mama
09. Ndjè Yèm
10. Moût
11. Ndjèl





Mariachi Los Camperos de Nati Cano – Tradición, Arte y Pasión (2015)

José Natividad Cano (Nati Cano) fue el fundador de Mariachi Los Camperos y gran precursor de la música mexicana. Ganador, en 2009, del Grammy al Mejor Álbum de Música Regional Mexicana por Amor, Dolor y Lágrimas: Música Ranchera, la historia del grupo comenzó en 1967 cuando Don Nati abrió su restaurante La Fonda, donde Los Camperos actuaban regularmente. El restaurante le permitió a Cano mantener los niveles artísticos del mariachi y preservar su tradición.
Desde la década de los años 90, se dedicó a promover el mariachi a nivel educativo por medio de fundaciones y programas escolares. En Chicago, tuvo presencia tanto en conciertos como apoyando iniciativas con la finalidad de elevar el mariachi y que se le viera más que como una música para bodas, cantinas, serenatas y fiestas. Para él era y es un movimiento, un legado, y Patrimonio de la Humanidad como lo catalogó la Unesco en 2012.

El quinto álbum del grupo bajo el sello Smithsonian, Tradición, Arte y Pasión (2015), bebe del pozo de la expansiva "edad de oro" de la música mariachi en los años 40 y 50 para conjurar ingeniosamente un sonido tan fresco y contemporáneo como lo era entonces. Nuevo, aunque con edad, y explotando la amplia paleta sonora de la instrumentación del mariachi, el álbum refleja el enfoque musical de Cano: "Amor, dedicación, disciplina, orgullo y pasión." Además, el álbum rinde homenaje a la leyenda del mariachi y fundador del grupo Nati Cano, quien falleció en Octubre de 2014.

tracks list:
01. El súchil
02. Yo
03. Parranda larga
04. La petenera (popurrí) ("La petenera", "Tata Dios", "La Cecilia")
05. A los cuatro vientos
06. El framboyán
07. La morena
08. Nuestro gran amor
09. El silencio de la noche
10. El arreo
11. Sones de antaño



ALA.NI – You & I (2016)

ALA.NI es el nombre artístico de Alani Charal, cantautora londinense de origen antillano que empezó a ejercer de corista para un variado elenco de artistas que incluye a Blur y Andrea Bocelli. En su álbum de debut You & I ha contado con Andrew Hale (de Sade) que la ha ayudado a producir unas canciones que mezclan el romanticismo melancólico de las baladas de la era del swing con un toque soul contemporáneo.
Nacida en la isla de Granada, criada en Londres y con enorme apego por Paris, ALA.NI se ha embarcado en una suerte de retro soul un tanto especial, ya que su base es el jazz vocal de los años 30 a 50 y los musicales americanos pero adaptado de forma exquisita y genial a los tiempos modernos que corren.
Tras editar cuatro EPs en 2015 coincidiendo con las estaciones del año (Spring, Summer, Autumn and Winter), You & I supone una recopilación de los mismos, en formato de doble CD. El resultado son 12 canciones cuya duración media apenas alcanza los tres minutos. Breves momentos de desconexión a través de guitarras y voces, entremezcladas ocasionalmente con prudentes pianos, toques de viento y percusión.

En algunas reseñas sobre la cantautora se habla de su "originalidad", pero parece que la gracia está en que ALA.NI es todo lo contrario: recupera viejos ritmos del blues y jazz para reconfigurarlos y buscar su espacio en los cánones actuales. Ella misma declara que su disco está grabado a la "vieja usanza": voz y guitarra a la vez, en una sola toma. Aquí no hay ritmos electrónicos. La sencillez de la pieza provoca una conexión instantánea con la persona oyente que, inevitablemente, rememora los clásicos. A pesar de que ella no catalogue su música como vintage es evidente que las referencias están ahí. Del mismo modo en que guitarra y voz han sido tratados con delicados toques sin pulir demasiado el resultado, todo parece intencionado para hacernos viajar hacia al pasado y catapultarnos ahí, hacia el estado de placidez que propone la británica, dispuesta a reflexionar sobre la trama circular de las relaciones amorosas.
La quietud, lo lánguido y la prominencia vocal son la base de esta exquisitez. Recurrir a ella es rememorar los clásicos de gramófono como Doris Day o incluso Judy Garland, una sensación reconfortante de haber estado ahí siempre, de que las canciones parecen verdaderamente familiares la primera vez que se escuchan.

Página web oficial: Ala.Ni

tracks list:
01. Cherry Blossom
02. Woo Woo
03. Ol' Fashioned Kiss
04. Come To Me
05. Suddenly
06. One Heart
07. Roses & Wine
08. Planet To Your Sun
09. Darkness At Noon
10. I'll Remember
11. To The River
12. Circle

bonus tracks:
01. Not Coming Home
02. Paris Theme (Memories Of You)
03. Wichita Lineman
04. Cherry Blossom (Moors Remix)
05. Ol' Fashioned Kiss (Vendredi Remix)
06. Suddenly (Chester Watson Remix)
07. One Heart (XYWHY Remix)





Mamak Khadem – The Road (2015)

Mamak Khadem es una maravillosa cantante que desafía la categorización. Nacida en Irán y con formación en los estilos clásicos persas, también ha estudiado las tradiciones del norte de India y de los Balcanes. Afincada en Los Ángeles, pasó diez años como vocalista principal de Axiom of Choice, un grupo de fusión persa-occidental que funda con Loga Ramin Torkian (Niyaz) en 1990. The Road, su último proyecto, es un mosaico radiante en el que continúa su viaje iniciado con su célebre primer álbum en solitario Jostojoo (2007) y con A Window To Color (2011). Siguiendo su pasión por la interculturalidad, Mamak ha cruzado las fronteras de varias regiones de Irán a Serbia, Bulgaria, Macedonia, Grecia y Al-Ándalus. La búsqueda de confluencia en temas y melodías tradicionales sigue siendo la fuerza impulsora de su música, utilizando elementos de su herencia iraní (como la poesía de Rumí) para re imaginar canciones de otras culturas, tiempos y lugares. La libertad de su expresión musical es embriagadora.

Contando con una diversidad de artistas de talla mundial (la producción vuelve a correr a cargo del gran Jamshied Sharifi), la voz de Khadem suena conmovedora y versátil. En "A Thousand Strings" (basada en la melodía serbia "Ajde Jano") suena la guitarra de Jorge Strunz y el cello de Yoed Nir. Lo interpreta en farsí y serbio, y empareja la melodía serbia con letras de un poema del siglo XIII del místico sufí persa Rumí: "Tu amor despertó la música en mí / A veces soy el arpa, a veces el laúd / Tú eres el corazón de mi noche y mi día".
En el álbum la aportación estelar es de la Džambo Agušev Orchestra, un conjunto brass macedonio que proporciona el acompañamiento suntuoso para "Those Eyes" (basada en una melodía kurda de Irán), y que también respalda el igualmente festivo "Do, Don´t", cantado en farsí. Otras pistas destacadas incluyen "High Sea", cantada en gilaki (hablada en la costa del Caspio de Irán) sobre un hombre enamorado atrapado en una tormenta, y "Romance", adaptando una melodía de Baluchistán y también cantada en farsí y apoyada por un estribillo de voces búlgaras de Bulgaria’s Pazardjik Ensemble.
Khadem se ajusta a un término modesto pero tangible que utiliza para describirse a sí misma, "nómada". Una nómada que conecta la geografía con la sabiduría, inspirando conciencia por la apreciación de las artes y la cultura persas a través de un exquisito puente entre el mundo clásico y el contemporáneo: "The freedom of musical expression sustains me; when there is music there is community, there is acceptance, there is life".

Página web oficial: Mamak Khadem

tracks list:
01. A Thousand Strings
02. Romance
03. Do, Don´t
04. Flaming Sun
05. High Sea
06. Little Gem
07. Stardust
08. Navaii
09. Pledge
10. Hunstman
11. Those Eyes





Kanda Bongo Man - King Of Kwassa Kwassa (2011)

La rumba procede de antiquísimos estilos musicales africanos que acabaron emigrando a América (sobre todo, a Cuba) y de allí mutaron una y otra vez para volver a la época contemporánea en una amplia variedad de ritmos. En esta ocasión vamos a ocuparnos de un tipo de rumba africana bastante peculiar, el soukous (también llamado lingala), que es el tipo de música que hace Kanda Bongo Man, un músico congoleño residente en Francia y que, concretamente, practica una variante del soukous denominada “Kwassa Kwassa”.
El Kwassa Kwassa, caracterizada por la rapidez de sus ritmos, en los que se combinan instrumentos tradicionales africanos con otros de origen europeo, sitúa a Kanda Bongo Man como uno de los gigantes de la música africana y a contar, entre sus fans numerarios, a Vampire Weekend (aclamado por la crítica por sus influencias de la world music), Paul Simon y John Peel (el desaparecido radiodifusor de la BBC, famoso por sus “Peel Sessions”).
Su carrera en solitario comenzó a despegar después de trasladarse a París en 1979, donde su música comenzó a incorporar elementos de la entonces vibrante música zouk (originaria de las Antillas francesas). Sus primeros discos en solitario, Iyole en 1981 y Djessy en 1982, se convirtieron en seguida en grandes éxitos gracias a los cambios estructurales que implementó a la música soukous mediante el fomento de solos de guitarra después de cada verso y al principio de cada canción. Esta forma de abordar el soukous dió origen al Kwassa Kwassa como ritmo de baile, donde las caderas se mueven hacia delante y hacia atrás mientras las manos se mueven siguiendo a las caderas.

Detrás de la voz y la carismática presencia escénica de Kanga Bongo Man están las guitarras de Diblo Dibala y Rigo Star (que también enriquecieron, en su momento, los álbumnes de Paul Simon y Papa Wemba), y las de Nene Tchakou y Dally Kimoko, considerados de los mejores guitarristas soukous del mundo, dando lugar a un hermanamiento que dió a su música una calidad maravillosamente alegre y resonante.
La presente recopilación, King Of Kwassa Kwassa (2011), recoge sus principales temas grabados entre 1984 y 1991, canciones que marcaron toda una era de soukous parisinos y que nos muestran una banda en el apogeo de su plenitud.

tracks list:

CD1
01. Malinga
02. Zing Zong
03. Belle Amie
04. Isambe
05. J.T.
06. Sai
07. Aime
08. Amour Fou
09. Bayembi
10. Monie

CD2
01. Naloti
02. Cantique
03. Iyole
04. Ebeneza
05. Djessy
06. Mosali
07. Mazina
08. Ekipe
09. Yonde Love Me
10. Emame





Mariza – Mundo (2015)

Transcurridos cinco años desde su último disco de estudio, Mariza publica su nuevo álbum Mundo, bajo la producción de Javier Limón (que ya le produjo su anterior Terra en 2008). Un álbum muy esperado de una de las artistas más populares de Portugal y la representante mundial del Fado tras la admirada y siempre recordada Amália Rodrigues.
El Fado también le acompaña en este nuevo álbum, pero es un Fado moderno que abarca muchos conceptos, estilos y emociones, porque incluye ritmos de tango, flamenco, pop, sutiles toques de electrónica, africanos y antillanos, evocando otras culturas musicales. Cuenta con artistas de la talla de José Manuel Neto, guitarra portuguesa; Pedro Jóia, viola; Charlie Mendes, bajo; Alfonso Pérez, piano y teclados; Israel Suárez “Piraña” (percusión), y Javier Limón a la guitarra flamenca.

Es notable la voz de Mariza que enlaza a la perfección diferentes estilos musicales bajo el paraguas del Fado que todo lo abarca. El desgarrador “Sombra” y el optimista “Missangas” son ejemplos de la condición de Mariza como la reina del fado tradicional. El tango del mítico Carlos Gardel (“Caprichosa”), la preciosa balada “Melhor de Mim”, “Adeus”, la etérea “Sem Ti” y la espléndida “Saudade Solta” (de los hermanos Pedro Da Silva y Luís José Martins, de Deolinda) encuentran en sus brillantes interpretaciones sus alas. Otro ejemplo es la nueva versión de “Padoce de Céu Azul” (que ya grabara Lura en 2005), luciendo más luminosa si cabe. En definitiva, nos encontramos con una Mariza en plena madurez expresiva que presta a su voz unos matices nunca antes registrados. Impresionante.

Página web oficial: Mariza

tracks list:
01. Rio de Mágoa
02. Melhor de Mim
03. Alma
04. Saudade Solta
05. Sem Ti
06. Maldição
07. Padoce de Céu Azul
08. Caprichosa
09. Paixão
10. Anda o Sol Na Minha Rua
11. Adeus
12. Missangas
13. Sombra
14. Meu Amor Pequenino





Bholoja – Swazi Soul (2010)

Bholoja (Mbongiseni Ngubane) es un joven y sobredotado músico, muy celebrado en su país de origen, Suazilandia. Su llamativa voz multicolor y su talento para escribir canciones se ha canjeado la admiración de su corte de seguidores/as, que se ha expandido más allá de las fronteras de su tierra. Su inspiración es la tradición y el modo de vida Suazi; su música (que incluye mbira, sitolotolo y armonías tradicionales) busca asegurar que una parte esencial del patrimonio cultural Suazi no sea víctima de la negligencia histórica.
La música de Bholoja, que se encuadra en el llamado “Swazi Soul” (una combinación de folk, soul y afro-jazz), va ganando en popularidad tanto en Suazilandia como en el sur de África, y encaja como una narrativa social, hablando a la misma conciencia del oyente gracias a su fuerza como letrista. La mayoría de sus canciones se centran en cuestiones sociales y económicas que rigen la vida cotidiana de las personas. Con un sentido del humor contagioso y optimista que prevalece a través de toda su música, su atractivo se extiende tanto a jóvenes como a mayores gracias a su capacidad de crear un sonido único apreciable por el público de origen multicultural.
Desde que debutara en 2004, su crecimiento como artista se ha ido viendo a medida que ha compartido escenarios con grandes nombres como Lokua Kanza, Oliver Mtukudzi, Freshlyground y Hugh Masekela, entre otros.
Swazi Soul (2010) y Swazi Soul II: Luyasikwa Luyamila (2016) son las muestras de su estilo único, los cimientos para que las y los cantantes de su tierra abracen su lengua y compartan historias de Suazi a través del canal de sus canciones conducidas por su guitarra.

Página web oficial: Bholoja

tracks list: 01. Indzawo Yami
02. Mbombela
03. Ikhonkhotsa llele
04. From Zero to Hero
05. Ngikhumbula Ngisemncane
06. Africa Unite
07. Iyakhalindvodza
08. Umkhuleko
09. You And I
10. Umhlaba Uyahlaba
11. Ilawonde
12. King Somhlolo's Dream





Lura – Herança (2015)

El nuevo disco de Lura, considerada como una de las mejores exponentes musicales de Cabo Verde, es un disco vibrante, bailable y muy caboverdiano, centrado en el energizante género musical del archipiélago. Herança (Patrimonio) sigue perfectamente la progresión natural de la discografía de Lura después Di Korpu ku Alma (2005), M'bem di fora (2006) y Eclipse (2009).
Como reflejo del constante retorno de Lura a sus raíces, la última obra nos sumerge en la esencia vital de la identidad de la cantante. El álbum explora las facetas más sublimes y sagradas del batuque y la funaná en canciones como "Sabi di Más" y "Ness Tempo di Nha Bidjissa", aunque Lura trae su propia y especial universalidad a los tradicionales ritmos de Cabo Verde. Herança es otra oportunidad de oro para volver a explorar su rica cultura y sus gentes, su tradición y su música en compañía de las y los más melodiosos y carismáticos cantantes de toda una generación de artistas del país africano. Con temas compuestos por la propia Lura, Mário Lúcio, Kaka Barbosa y Tcheka, el disco incluye la colaboración de tres importantes invitados e invitada: el poeta y músico brasileño Naná Vasconcelos ("Herança"), Richard Bona en "Barco di Papel" (que escribió con Lura) y la estrella emergente Elida Almeida en "Nhu Santiagu".

La voz de Lura y cada una de las canciones del álbum nos recuerdan cómo la esencia de la multiculturalidad y la música criolla tradicional ha dado lugar a un género vocal universal, en el corazón del secreto mejor guardado de África: Cabo Verde.

Página web oficial: Lura

tracks list:
01. Sabi di Más
02. Somada
03. Di Undi Kim Bem
04. Mantenha Cudado
05. Nhu Santiagu (with Elida Almeida)
06. Ness Tempo di Nha Bidjissa
07. Ambienti Más Seletu
08. Herança (with Naná Vasconcelos)
09. Barco di Papel (with Richard Bona)
10. X da Questão
11. Sema Lopi
12. Maria di Lida
13. Goré
14. Cidade Velha





Shantel – Viva Diaspora (2015)

“Diáspora” es una palabra de origen griego que significa “disperso”. Se suele usar para describir situaciones en las que determinados conflictos geopolíticos obligan a las personas a abandonar sus lugares de origen por razones sociales, culturales, políticas o religiosas. Viva Diaspora es el último trabajo de Shantel, y quiere servir de puente para todas esas personas que, de una forma u otra, se han visto en la necesidad de reinventarse.
Cómo fusionar la música balcánica con la electrónica de baile, sin hacer que pierda su esencia, ha sido la cuestión que ha movido toda la trayectoria profesional de Stefan Hantel, más conocido como Shantel. Alemán de raíces rumanas, comprobó cómo al público de las discotecas donde trabajaba de DJ le encantaba sus mezclas de beats con fragmentos de canciones zíngaras. Esta es la propuesta que ha ido madurando durante su discografía y que se refleja en dos de sus anteriores trabajos, Disko Partizani (2007) y Planet Paprika (2009).

Viva Diaspora, fuertemente influenciado por la nueva vida del artista en Atenas, responde a la crítica situación que vive Grecia, con una reivindicación de todos los sonidos mediterráneos. Como señala en una entrevista publicada en b-ritmos, el trabajo “es algo parecido a una road movie de veinticuatro horas que podría ser la banda sonora de una estancia en Atenas, Estambul o Berlín… Soy un artista que vive y trabaja en la diáspora, no en los Balcanes. Creo que la música que yo hago nunca podría haber surgido en la región, pues necesita de la colisión de culturas para nacer. Es un fenómeno muy urbano que sucede en lugares cosmopolitas como Frankfurt, Berlín o Viena”.
El álbum contiene temas tradicionales, realizados junto a la gran intérprete de santur y cantante griega Areti Ketime y magistrales músicos de Atenas del Grupo Takim (Konstantinos Fotiadis y Thomas Konstantinou). El proyecto, ambicioso y exigente, lleno de pistas rápidas, con una multitextura difícil de clasificar, aprovecha el talento de su Bucovina Orkestar, y de artistas digitales como Iman Baildi. Una trayectoria que conduce desde las tabernas de rebetika de Grecia a los bares de Líbano y Turquía, pasando a continuación a las pistas de bailes de París y Berlín, con influencias del rap y del reggae neoyorquino. Shantel, de nuevo, lo vuelve a hacer. Memorable.

Página web oficial: Bucovina Club

tracks list:
01. Intro-Uncertain Future
02. Eastwest-Dysi Ki Anatoli (feat. Areti Ketime)
03. Hey Girl
04. Promised Land
05. Disko Devil
06. Rio-Bucovina Dub
07. Nikolaki Mou Amanes (feat. Areti Ketime & Takim)
08. The Streets Where The Kids Have Fun (feat. Iman Baildi)
09. Oriental Cha Cha
10. The Whip
11. Acid Greeks (feat. Iman Baildi)
12. Today Is Life, Tomorrow Never Comes
13. Rio
14. Alright Savica
15. Viva Diaspora
16. Exarchia Radiate
17. Natural Beat





Ghazalaw – Ghazalaw (2015)

Ghazalaw celebra la afinidad entre el género lírico ghazal de India y la tradición popular de Gales. El cantante y compositor de Bombay Tauseef Akhtar y la cantautora galesa Gwyneth Glyn entretejen la poesía de amor de sus dos tradiciones culturales junto con el acompañamiento de arpa, tabla, guitarra y armonio. Aparentemente dispares pero con resultados deliciosos.
Tauseef Akhtar conoció a Gwyneth Glyn a través de su amigo común Donal Whelan, de Hafod Mastering. Con el apoyo de Wales Arts International, Tauseef y Gwyneth se reunieron para explorar su afinidad musical. Fué durante seis días en The Roundhouse, St Hilary, cuando nació Ghazalaw.
En noviembre de 2012 Gwyneth invitó arpista galesa Georgia Ruth Williams para unirse a ella y Tauseef en Bombay para desarrollar aún más las canciones con los músicos Ashish Jha (tabla), Manas Kumar (violín) y Sanloy Das (guitarra). Ghazalaw actuó en Bombay, en el Desert Festival (Delhi) y fue presentado en el Indiearth Exchange en Chennai. Posteriormente, formó parte del concierto de apertura de Cerys Matthews en WOMEX13. Y en enero de 2015 fueron invitados a tocar en la Feria del Libro de Calcuta y en el Ghazal Bahaar en Bombay.

Con el apoyo del Arts Council of Wales y el patrocinio de Air India, los músicos volvieron The RoundHouse para grabar su primer disco con título homónimo, Ghazalaw, que fué publicado en septiembre de 2015 bajo el sello Marvels of The Universe de Cerys Matthews, en coproducción con Theatr Mwldan, acompañado de un precioso y completísimo libreto con grafías árabes y henna de Kiran Sahib.
En Ghazalaw los tonos sonoros de Akhtar se adaptan perfectamente para transmitir "birha", el dolor del amor inalcanzable tan popular en la poesía Ghazal del norte de India. Por su parte, la voz de Glyn aporta, desde las letras del folk galés, el concepto de "hiraeth" (un intenso deseo por una persona o lugar) de la belleza de la vida.
Mientras que los poemas de cada pista trabajan bien temáticamente, es la profundidad de la emoción con la que Akhtar y Glyn recitan que hace que la transición del urdú al galés apenas sea perceptible. El arpa de Georgia Ruth, la adición de un violín (que difumina los estilos galeses e hindúes) y el ritmo crujiente de la tabla proporcionan una experiencia de sonido hipnótico y envolvente. En definitiva, Ghazalaw es un proyecto fascinante y un recordatorio oportuno de que la humanidad es global y que tenemos en común grandes confluencias dignas de celebración.

Página web oficial: Ghazalaw

tracks list:
01. Tum nazar se - Cyfri’r sêr
02. Teri aankhon mein - Seren syw
03. Apni Ruswaayee - Sefyll yn stond
04. Hosh apne - Y botwm du
05. Hud se - Cainc yr aradwr
06. Moliannwn - Ishq karo
07. Khoobsorat koi sazaa - Cosb mor dlos
08. Lusa lân
09. Guzur jaayenge jab din – Hiraeth
10. Jugnu ke sitara tha - Hen ferchetan





Lila Downs – Balas y Chocolate (2015)

Lila Downs es, en la actualidad, uno de los estandartes de la cultura de México y Latinoamérica. Su búsqueda tiene que ver con el pasado prehispánico y, también, con la modernidad, mezclando su voz con el colorido del campo, el sabor a Oaxaca, la lucha social, los derechos de la mujer y la educación con ritmos como la cumbia, el folk, el jazz, el hip-hop y la música mexicana.
Balas y Chocolate (2015) es su octavo disco individual, en el que lanza "una mirada profunda hacia el acontecer de la sociedad latinoamericana". Y es, como explica la propia Lila Downs, "una alusión a los tiempos agridulces que vivimos: por una parte, la violencia y por otra, los excesos y el placer representados por el cacao, manjar de los Dioses, fruto que permanece y simboliza nuestra fuerza como nación".

Musicalmente sigue uniendo géneros, jazz, cumbia, ranchera, klezmer, blues o folk mexicano. Una producción de trece temas que afianzan la tradición y la voz del pueblo mexicano -en temas como "Una cruz de madera", "La farsante" (a dueto con Juan Gabriel) o "Las casas de madera"- junto con otros temas que contribuyen a que despierte la conciencia social y humana como "Humito de copal" (dedicada a las y los periodistas desaparecidos en México) y "La patria madrina", con referencia a los 43 estudiantes desaparecidos en Ayotzinapa (cantada con Juanes) y la crítica social y mediática en "Mano negra". A destacar "La promesa" (con esa voz versátil y desgarradora de Lila), y el irónico "Son de difuntos", dedicado a su marido y productor Paul Cohen (que acababa de superar una grave enfermedad).
"La música de este álbum celebra a los muertos como es la tradición: se baila, se canta, se toma, se brinda con los difuntos. Se canta un bolero, unas norteñas, unas cumbias, hip hop y ska y como resultado tenemos un disco bailable, melancólico y alegre, así como es la costumbre de llorar y celebrar al mismo tiempo, porque los mexicanos tenemos la tradición de escribir versos sobre la muerte riéndonos y disfrutando…", añade. Un disco que mezcla temas festivos y oscuros, con mucho peso emocional y también denuncia, pero esperanzador y sanador.

Página web oficial: Lila Downs

tracks list:
01. Humito de copal
02. Mano negra
03. Balas y Chocolate
04. Una cruz de madera
05. La farsante (a dueto con Juan Gabriel)
06. La burra
07. Cuando me tocas tú
08. La patria madrina (a dueto con Juanes)
09. Las casas de madera
10. La promesa
11. Son de difuntos
12. Dulce Veneno
13. Viene la muerte echando rasero





Khiyo – Khiyo (Bengali Music with a London Sound) (2015)

Khiyo es una banda, establecida en Londres, que interpreta el patrimonio musical bengalí, formada en 2007 como una colaboración entre la cantante británica-bangladeshí Sohini Alam y el multiinstrumentista y compositor Oliver Weeks (a quienes se unió el bajo y las guitarras de Ben Heartland) para explorar nuevas formas de presentar la música tradicional bengalí, pero preservando su esencia. Es por eso que la banda eligió, como nombre distintivo, una letra del alfabeto bengalí, "Khiyo", una combinación de dos letras con identidad propia. De la misma manera, aunque la banda se basa en diversos fondos musicales, la fusión de conjunto tiene un sonido singularmente identificable.
Las canciones de este disco debut representan una mezcla ecléctica de clásicos bengalíes de Bangladesh e India, basándose en lo popular, películas, canciones protesta conmemorativas de la independencia bangladeshí y otros géneros tradicionales como las Rabindra Sangeet (canciones de Rabindranath Tagore) y las Nazrul Sangeet (canciones de poeta nacional bengalí Kazi Nazrul Islam). La potente y expresiva voz de Sohini Salam se acompaña a la perfección con arreglos dinámicos y originales que se alimentan de los sonidos del sur de Asia y de la tradición clásica, del rock y del jazz. El resultado es un sutil equilibrio entre las culturas y tradiciones de Oriente y Occidente.

Disco de versiones, el debut homónimo de Khiyo es, sin embargo, una colección refrescante y original, un testimonio de la moderna identidad bengalí y una conmemoración a aquellas personas que lucharon por la independencia de Bangladesh.

Página web oficial: Khiyo

tracks list:
01. Akashta Kanpchhilo Kyan?
02. Doyal Tomaro Lagiya
03. Rum Jhum Rumu Jhumu
04. Nishi Raat
05. Amar Protibaader Bhasha
06. Murshidi (Kachhe Nao Na, Dekha Dao Na)
07. Koi Jao Rey
08. O Ke Udashi Benu Bajayey
09. Purbo Digontey
10. Hai Rey Amar Mon Matano Desh
11. Amaro Deshero Matiro Gondhe
12. Ek Shagori Rokter Binimoyey
13. Kotobaaro Bhebechhinu
14. Bareer Kachhe Arshinogor





The Soil – Nostalgic Moments (2014)

El canto a capella es una de las grandes tradiciones de la música sudafricana, y The Soil ha transformado el género con un abordaje valientemente contemporáneo. En poco menos de cuatro años, desde el lanzamiento de su disco homónimo de múltiples premios y doble disco platino, The Soil ya se ha ganado un puesto en el corazón del mundo de la música. Su estilo es definido como "Kasi Soul", una mezcla ecléctica de géneros musicales a golpe de swing, hip-hop, afro-pop, soul y jazz.
Un trío que comenzó a cantar junto en un instituto de secundaria de Soweto y que rinde homenaje a la herencia de Sophiatown y los grupos de la época (la vibrante escuela musical de Johannesburgo hasta que fue "limpiada" étnicamente en 1955 y su población de color fue trasladada por la fuerza). Cada miembro del grupo juega un papel distintivo, con Buhlebendalo Mda como líder, Ntsika Fana Ngxanga que añade líneas de armonía robustas, y su hermano Luphindo "Master P" como human beatbox. Su repertorio varía desde baladas interpretadas con chasquidos de los dedos propias de las calles de Soweto a la fusión de swing, R&B, afro-pop y jazz. De vez en cuando suenan como una versión simplificada o puesta al día de Ladysmith Black Mambazo, con quienes interpretan "Hamba Uyosebenza". Como Ladysmith, bien podrían ser masivamente conocidos, pero han optado por conservar sus raíces africanas.

Con Nostalgic Moments, The Soil continúa con su objetivo de fusionar sus voces para regalarnos mensajes melódicos y armoniosos dirigidos a elevar el espíritu para el disfrute de todos los públicos.

facebook: The Soil

tracks list:
01. Unspoken Word (Intro)
02. We Are One (Celebrate Humanity)
03. Susan (feat. Khuli Chana)
04. Noma Ungahamba
05. Streets of Soweto
06. Hamba Uyosebenza (feat. Ladysmith Black Mambazo)
07. Ndibambe Kanje
08. Before
09. Andinanto
10. Asante Sana
11. Mkhuluwa





Ravi Shankar – Tana Mana (1987)

Publicado por Private Music en 1987, Tana Mana (que significa "cuerpo y mente") es el trabajo de Ravi Shankar que dió lugar a la popularización del término "World Music", ya que su propuesta incide en la fusión de elementos orientales y occidentales abordando un nuevo camino en el que se unifican música india, jazz y electrónica.
Precisamente el término "World Music" ha resultado, desde entonces, paradójico para el entendimiento, ¿o es que acaso no todas las músicas son del mundo? La denominación se adopta en 1987 en el intento de hallar un término que reflejara el espíritu globalizador de los años 80 del siglo XX. El afán de las discográficas por vender se puso de lado de ciertos músicos del hemisferio Sur y de Oriente que, basados en su folclore autóctono, no sólo exploraban fusiones audaces con occidente, sino que en ocasiones lograban un considerable éxito, manteniendo la categoría de mitos o maestros de la que gozaban en sus respectivos países. Youssou N'Dour, Ali Farka Touré, Ladysmith Black Mambazo o Nusrat Fateh Ali Khan son sólo algunos nombres de indudable éxito. Peter Gabriel, Paul Simon o David Byrne son músicos occidentales que ayudaron a impulsar esta etiqueta y a determinados artistas de gran interés, pero para otros ilustres como Philip Glass no cabe duda de que el sitarista indio Ravi Shankar fue clave -incluso padre- de ese movimiento, años antes de su institución.

Tras décadas de trabajo y popularidad en la India y numerosos viajes por el mundo, Ravi Shankar conoció al Beatle George Harrison en 1966 y se convirtió en su maestro (el propio Harrison es un reclamo en Tana Mana, al acudir a la llamada de su mentor y amigo para tocar en el mismo cítara y sintetizador). Para dar el salto hacia el gran público, Ravi optó por facilitar las cosas, fusionando con otros estilos e instrumentos y acortando las duraciones de las canciones, más acordes con el gusto occidental y la radiodifusión. Aún así, a pesar de no tocar la música que le reclamaban los puristas de su país, este maestro consiguió su objetivo de "no perder la indianidad de su música". Más allá, con adaptaciones como ésta no exentas de alma, Ravi dió un importante paso para mantener viva la música clásica india en el mundo contemporáneo, abriendo camino a otros músicos notables, como su propia hija Anoushka Shankar.
Shankar tuvo una gran popularidad en EEUU cuando los Beatles le "descubrieron" a Occidente, se instaló en los Estados Unidos y dió populosos conciertos, y fué relanzado para el público general gracias al buen ojo del productor Peter Baumann para Private Music, donde publicó tres discos a finales de los 80, justo cuando comenzaba a instaurarse la mencionada etiqueta "World Music": Tana Mana (1987), un estupendo concierto en Moscú llamado Inside the Kremlin (1988), y la espléndida e imprescindible colaboración con Philip Glass Passages (1990).
En Tana Mana, instrumentistas indios (incluyendo a la vocalista Lakshmi Shankar o a Shubho Shankar -hijo del maestro, fallecido en 1992) se funden con nombres estadounidenses como los de los productores (Peter Baumann y Frank Serafine) o los de Patrick O'Hearn (al bajo), Ray Cooper (Marimba), Al Cooper (guitarra) o el mencionado George Harrison. Tana Mana, compuesto por Ravi Shankar un año después de sufrir un infarto, es una hermosa sucesión de piezas cantarinas, que van más allá de continentes y épocas para acatar la universalidad de la música india y darla a conocer al resto del mundo, en su faceta más asequible, a través de uno de sus grandes valedores. (Fuente: Solsticio de Invierno)

tracks list:
01. Chase
02. Tana Mana
03. Village Dance
04. Seven and 10½
05. Friar Park
06. Romantic Voyage
07. Memory of Uday
08. West Eats Meat
09. Reunión
10. Supplication