Tanbou Toujou Lou: Meringue, Kompa Kreyol, Voudou Jazz & Electric Folklore From Haiti 1960-1981 (2016)

El estudioso musical Vik Sohonie, veterano investigador, escritor y editor musical, ha editado Tanbou Toujou Lou como primer trabajo para su propio sello, Ostinato. Una recopilación de 19 temas de lo que él considera los 20 años de la época dorada de la música haitiana.
Seleccionados de colecciones privadas y archivos de radio en Brooklyn, Nueva York, y en múltiples viajes de investigación a Puerto Príncipe, Jacmel, Gonaïves y Saint Marc (Haití), los temas representan la diversidad de estilos que abarcaron los años fundamentales de innovación musical en Haití. Desde las legendarias y elegantes fiestas de Big Bands en las icónicas discotecas de Puerto Príncipe hasta los ritmos del campo; desde sonidos africanos como kompa y meringue impulsado por acordeón y los patrones de tambores del voodoo jazz, a hipnóticos arreglos de saxo tenor e interpretaciones psicodélicas del folclore. Ejemplos sorprendentes de sus respectivos géneros que tienen una dinámica particularmente haitiana y fresca.
Bellamente empaquetado y con un libreto que proporciona una prolífica información sobre una escena musical que ha recibido poca atención, en comparación con sus vecinos del Caribe, este es un trabajo hecho con devoción. Tanbou Toujou Lou puede ser la compilación más sorprendente de 2016 hasta el momento.

tracks list:
01. Zotobré - Lagen
02. Les Gypsies de Pétionville - Francine
03. Les Loups Noirs - Bebe Showman
04. Tabou Combo - Gislene
05. Coupé Cloue et Trio Select - La Vie Vieux Negre
06. Rodrigue Milien et Son Groupe Combite Creole - Rapadou
07. Les Loups Noirs - Pele Rien
08. Super Jazz de Jeunes - Erzulie Oh!
09. Nemours Jean Baptiste - Haiti Cumbia
10. Ensemble Webert Sicot - Prend Courage
11. Super Jazz de Jeunes - Lonin
12. Ensemble Etoile du Soir - Tripotage
13. Zotobre - Ochan
14. Chanel 10 - Lola
15. Super Choucoune 70 - Madeleine
16. Les Pachas du Canape Vert - Samba Pachas No. 2
17. Ibo Combo - Souffrance
18. Shupa Shupa - Epoque Chaleur
19. L´Orchestre Radio Nationale D´Haiti - Meci Bon Dieu





Les Amazones d´Afrique - République Amazone (2017)

Les Amazones d´Afrique es un proyecto colectivo femenino de cantantes y artistas de diferentes países africanos (Malí, Benin, Gabón, Nigeria), que se han unido con un objetivo común: la lucha por la igualdad de género, fuertemente sustentado en la creencia de que la música puede apoyar el progreso social. Lo conforman algunas de las voces más importantes de todo el continente africano, artistas como Angelique Kidjo, Nneka, Mariam Doumbia (de Amadou & Mariam), Mamani Keita, Mouneissa Tandina o la griot Kandia Kouyaté, junto a jóvenes y prometedoras cantantes como Rokia Koné, Massan Coulibaly, Madiaré Dramé, Madina N’Diaye, Inna Modja y Pamela Badjogo. Las letras denuncian, también, temas de violencia de género, como la violencia doméstica, los matrimonios forzados y, por supuesto, la infame ablación del clítoris (mutilación sexual).
En los temas se van dando diferentes duetos o momentos individuales remarcables, muy diverso musicalmente, ya que está cantado en diferentes lenguas y mezcla diferentes generaciones y tradiciones. Así, nos encontraremos desde "Dombolo", el tema que abre el disco con Angelique Kidjo al estilo Congotronics, pasando por "Doona", de aires electro-funky-jazz con Mamani Keita o el afro-dub hip hop de Nneka en "La Dame et Ses Valises". A destacar también dos mujeres quizás menos conocidas pero importantes. Por un lado, Rokia Koné, de voz intensa y que aparece hasta en seis canciones. Notable es su dueto en la evocadora "Anisokoma" junto a la gran Kandia Kouyaté, o con Mamani Keita en "Full Moon" con vibrante final y ecos de afrobeat. Y por otro lado la baterista Mouneïssa Tandina que lleva más de tres décadas tocando y aquí aporta su profundo y versátil sello.

Todas juntas bordan el single "I Play The Kora", un tema titulado con ironía ya que la kora es un instrumento tradicional que durante muchos años solo pudo ser tocado por los hombres. Se trata de una relajada y preciosa canción de bases electrónicas, con gran variedad de timbres vocales, donde ellas cantan "Mujer despierta, nosotras las mujeres, todas las mujeres, queremos ser respetadas". Los beneficios de este tema van a ir a parar a The Panzi Foundation que trabaja con mujeres víctimas de violencia sexual en la República Democrática del Congo. También es fascinante la despedida con "Desert Storm" con Kandia y Rokia de nuevo acercándose al trance del Sahara.
A pesar de la gran diversidad, la producción de Liam Farrel (Doctor L) supone el punto de unión a esa gran complejidad, que ha pasado todas las canciones por un tamiz urbano y electrónico que refleja el sonido de una África femenina y contemporánea.

Para saber más: Les Amazones d´Afrique

tracks list:
01. Dombolo (feat. Angélique Kidjo)
02. Mansa Soyari (feat. Rokia Koné)
03. Doona (feat. Mamani Keita)
04. La Dame et Ses Valises (feat. Nneka)
05. Nebao (feat. Mamani Keita)
06. Deep In Love (feat. Rokia Koné, Massan Coulibaly)
07. Anisokoma (feat. Rokia Koné, Kandia Kouyaté)
08. Wedding (feat. Madiaré Dramé)
09. Kounani (feat. Madina N'Diaye)
10. Full Moon (feat. Rokia Koné, Mamani Keita)
11. I Play The Kora (feat. Rokia Koné, Mamani Keita, Nneka, Kandia Kouyaté, Mariam Doumbia)
12. Desert Storm (feat. Kandia Kouyaté, Rokia Koné)





Derek Gripper – Libraries on Fire (2016)

El guitarrista y compositor Derek Gripper ha forjado una impresionante carrera fusionando la música clásica con las tradiciones populares africanas. Libraries on Fire (2016) es el segundo trabajo que dedica a versionear temas de los grandes maestros africanos de la kora.
El músico, afincado en Ciudad del Cabo, empezó a destacarse en 2001 con el conjunto Sagtevlei, una colaboración con el acordeonista y trompetista de jazz Alex van Heerden y un cuarteto de cuerdas. Las deconstrucciones del grupo sobre la música sudafricana empezaron a conocerse, estilísticamente, como "New Cape", un estilo que Gripper siguió en su primer lanzamiento como solista de guitarra un año después. Durante la siguiente década, Gripper continuó explorando con los límites de la guitarra clásica tanto para sí mismo como para otros trabajos de Sagtevlei. También realizó una inspiradora colaboración con el maestro indio de tabla Udai Mazumdar, siendo una de sus piezas adaptada por el aclamado conjunto de cuerdas Kronos Quartet.
El disco One Night on Earth (2012) significó una nueva etapa de su carrera al adaptar la compleja música de la kora (arpa africana de 21 cuerdas) para guitarra clásica solista. Sus transposiciones de obras de Toumani Diabaté, Ali Farka Touré y otros maestros han tenido una acogida espectacular. Incluso la leyenda de la música John Williams dijo que pensaba que era "absolutamente imposible… hasta que escuché a Derek Gripper hacerlo", y el propio Toumani quedó tan impresionado que invitó al guitarrista a colaborar con él en Malí.

Este segundo álbum, Libraries on Fire, toma su título de un famoso dicho de África Occidental que dice que "cuando muere un griot, es como si una biblioteca ardiera". Grabado en una tarde por Simon Ratcliff en el Sound and Motion Studios de Ciudad del Cabo, Derek Gripper interpreta otras nueve piezas de kora, seis de ellas del repertorio de Toumani Diabaté.
Los resultados son, una vez más, espectaculares, tanto en términos de brillantez técnica y como en musicalidad. También agrega composiciones de Ballaké Sissoko (de At Peace, 2012) y Amadou Bansang Jobarteh (miembro de la gran dinastía de la kora de Gambia) a su proyecto, para crear un repertorio africano para la guitarra clásica, siendo tremendamente instructivo deleitarse en sus tomas junto con las versiones originales de kora. "Lampedusa", por ejemplo, se escuchó por primera vez en el álbum de 2014 Toumani & Sidiki, y suena de manera como si Gripper no se perdiera ni una sola nota, a pesar de las seis cuerdas de su guitarra con las que juega frente a las 42 que resultan de las dos koras de Toumani & Sidiki Diabaté. Impresionantemente maravilloso.

Página web oficial: Derek Gripper

01. Duga (Sekou Batourou Koukaté)
02. Lampedusa (Toumani Diabaté / Sidiki Diabaté)
03. Miniyamba (Toumani Diabaté / Sidiki Diabaté)
04. Salama (Toumani Diabaté)
05. Bafoulabe (Toumani Diabaté)
06. Si Naani (Toumani Diabaté)
07. Maimouna (Ballaké Sissoko)
08. Korobali (Toumani Diabaté)
09. Alfa Yaya / Anna Magdalena ( Amadu Bansang Jobarteh / Derek Gripper)





Baaba Maal – The Traveller (2016)

El cantante, compositor y guitarrista senegalés Baaba Maal está a la cabeza de la música africana más vanguardista, combativa y electrizante. Lo vuelve a demostrar en su nuevo trabajo, The Traveller (el undécimo de su carrera) grabado a caballo entre Senegal y Londres, un trabajo de un artista de raíces profundas y mirada puesta en los horizontes musicales más creativos.
Baaba Maal llevaba seis años sin grabar un álbum, pero durante este tiempo no ha permanecido ocioso. Embajador cultural de la ONU, ha dirigido un festival de música anual, Blues du Fleuve, en su ciudad natal de Podor en el norte de Senegal desde 2006, y ha estado participando en el proyecto internacional "Playing for Change", un proyecto musical multimedia y también una Fundación con el objetivo de reunir, grabar y filmar artistas musicales de diferentes culturas.
Maal comenzó su carrera musical con su amigo Mansour Seck, guitarrista ciego y griot de su familia, cuando fundó el grupo Lasli Fouta. En París graban el disco Djaam Leeli en 1984, y a su regreso a Senegal funda un nuevo grupo, Dande Lenol. Sus primeras influencias vienen del R&B norteamericano y del soul, aunque pronto encontró su propio estilo fusionando la música tradicional de su pueblo con pop y reggae. En 1988 publicó su primer disco en solitario, Wango, el primero de una serie de álbumes de gran éxito que también incluye a Baayo de 1991, Lam Toro de 1992, Firin'in Fouta de 1994, y Nomad Soul (1998). Jombaajo apareció en 2000, seguido por Missing You (2001) y Television en 2009.
Depués de una larga trayectoria, era casi inevitable que Baaba Maal titulara alguno de sus discos The Traveller (El viajero). Para él, viaje y música son inseparables ya que salió por primera vez de su pueblo natal hace casi 40 años y no ha parado desde entonces. Su nuevo trabajo es un diario de viaje, "una celebración hermosa y emocionante, conociendo nuevos lugares, encontrando personas desconocidas hasta entonces y haciendo buena música con ellas", según ha reconocido. En este sentido, The Traveller evoca los placeres del viaje y la satisfacción de volver a casa, "No importa cuánto tiempo puedo estar fuera, donde esté, y qué esté haciendo, siempre volveré a Fouta para alimentar mi alma".

Maal ha confiado las labores de producción a Johan Hugo (The Very Best), experto a la hora de traducir sonoridades africanas a las tendencias actuales. Eso quiere decir que los polirrítmos cobran peso entre tribal y bailable, y que los instrumentos tradicionales conviven con fieras guitarras eléctricas (por ejemplo, la potentísima "Fulani Rock", impactante comienzo de disco donde los haya) y con sedosos teclados ("One day").
Otros temas como "Kalaajo" propician un hermoso encuentro entre las acústicas arpegiadas y unas guitarras eléctricas que bien podrían salir de un disco de Tinariwen. La canción que da título al disco nos remonta al afropop ochentero que tanto triunfo proporcionó a Maal, con la curiosidad añadida del banjo de Winston Marshall (Mumford & Sons).
El dúo de canciones finales, simbólicamente tituladas "War" y "Peace", son dominadas por los recitados del poeta Lemn Sissay. La primera de las piezas es abrupta, tanto en la interpretación de Sissay como en la instrumentación que la rodea, en claro contraste con las delicadas atmósferas que suavizan el mensaje en la subsecuente "Peace". El mensaje es pertinente y queda claro, primando Maal su labor social sobre la de músico, la de celebrar y preservar su pueblo, su cultura y la lengua Fulani.

Página web oficial: Baaba Maal

01. Fulani Rock
02. Gilli Men
03. One Day
04. Kalaajo
05. Lampenda
06. Traveller
07. Jam Jam
08. War
09. Peace





Virgínia Rodrigues – Mama Kalunga (2015)

Mama Kalunga es el quinto disco de Virgínia Rodrigues, una narrativa mitológica y terrenal sobre la presencia negra en Brasil y en el Mundo y que le ha supuesto el premio "Mejor Cantante de MPB" en los 27 Prêmio da Música Brasileira.
Tiganá Santana, productor del disco junto a Sebastian Notini, escribe en el texto de presentación del disco: "sujo de barro e espírito". Es la síntesis del álbum, lanzado siete años después del anterior Recomeço (2009). En sus dilatados 56 minutos, del primero al último corte, se presenta como una narrativa mitológica y terrena, filosófica y afectiva, de los caminos negros por la Tierra y de su rastro de barro y espíritu.
Su apertura, a capela, lo anuncia. En "Ao senhor do fogo azul" (Gilson Nascimento), dirigida a Nkosi/Ogum (la entidad guerrera y forjadora a quien ella dedica el álbum) Virgínia evoca la "Esencia de Todo" con "Para o mundo ser/Para eu ser no mundo". Un tono ritualista que se prolonga en el segundo tema, "Mama Kalunga" (Tiganá Santana), esta vez una oración a la "madre de agua", a quien ella se presenta diciendo: "Eis-me aqui/Serei eu a voz que nunca seja". La sonoridad es camerística, con atabaque, cellos y violão-tambor (instrumento modificado por Tiganá) que condensa esa propuesta del disco, afinada en diferentes niveles con las guitarras de Dorival Caymmi y de João Gilberto.
Después de pedir permiso al Señor del Fuego y a la Señora del Agua, Virgínia profundiza su ritual (en el barro y en el espíritu) alejándolo del ritualismo, saliendo de la referencia directa a los orixás y cayendo en la lectura del cosmos propuesta por Paulinho da Viola en "Nos horizontes do mundo", que vincula los movimientos del universo al pensamiento solitario de cada persona "de vencer la soledad". Una vez más, la guitarra y el cello (con una inserción de "Choro negro", también de Paulinho) tratan la negritud con delicadeza.

El álbum sigue alternando temas declaradamente religiosos (la santería de "Cântico tradicional afrocubano/Belen Cochambre", con la voz de Susana Baca) o de matiz afro (hay canciones de Tiganá en las lenguas africanas kikongo y kimbundo) con temas que amplían de forma indirecta esa mirada sobre lo sagrado. "Teus olhos em mim", de Roberto Mendes y Nizaldo Costa, es una cántica romántica que aproxima los ojos de la persona amada (y los otros ojos que pueden llevar en sí) y los ojos de agua del arroyo. En "Sou eu", de Moacir Santos y Nei Lopes, el amante se pone como "destello lila" y "teu Ogum Megê". "Luandê" (de Ederaldo Gentil) hace referencia a África, y une percusión a la guitarra de Bernardo Bosisio (fundamental su participación en el disco), con versos como "Neste mundo, todo mundo/Tem um nego na famia".
Como el afoxé "Luandê", "Vá cuidar de sua vida" (de Geraldo Filme, ya regrabada de forma significativa por Itamar Assumpção) aborda otro asunto transversal del álbum en arreglos y letras: la dicotomia blanco/negro. Tratado aquí con humor ácido y samba de roda, se traduce en imágenes como el negro que va a la misa mientras el blanco va al macumba, un retrato leve e incisivo sobre una dinámica cultural profunda, forjada, nuevamente, en barro y en espíritu, en la voz especial de Virgínia. (Fuente: O Globo)

facebook: Virgínia Rodrigues

tracks list:
01. Ao senhor do fogo azul
02. Mama Kalunga
03. Nos horizontes do mundo
04. Vá cuidar de sua vida
05. Babalaô/amor de escravo
06. Mukongo
07. Teus olhos em mim
08. Cântico tradicional afrocubano/Belén Cochambre (feat. Susana Baca)
09. Mon´ami
10. Luandê
11. Yaya zumba (feat. Ruth de Souza)
12. Sou eu (feat. Tiganá Santana)
13. Dembwa (10 de agosto)





The Nile Project – Jinja (2017)

The Nile Project es una loable iniciativa hacia el panafricanismo: artistas de once países por los que pasa el río y sus afluentes se reúnen anualmente para impartir cursos y concienciar sobre la necesidad de cuidarlo. Una idea redonda y una maravilla musical, porque alcanza momentos de una intensidad y compenetración absolutamente asombrosas.
El proyecto, auspiciado por el etnomusicólogo egipcio Mina Girgis y la cantante etíope y activista cultural Meklit Hadero, comenzó en enero de 2013 cuando 18 artistas procedentes de Egipto, Uganda, Etiopía, Sudán del Sur y Sudán, se reunieron para desarrollar un proceso creativo colaborativo que duró 10 días. El resultado fue Aswan (2013) donde ya se preveía la trayectoria exitosa que tendrían estas y estos embajadores y diplomáticos de la música. El colectivo de intérpretes se va de gira por el mundo para difundir el mensaje ecológico y de interculturalidad, acontecimiento que en 2016 aprovechan para grabar Jinja (2017) en Uganda, lugar donde se encuentran las fuentes de El Nilo.

Más allá del sentimiento de hermandad que promueve, la música de la banda resulta atractiva justamente cuando reproducen sus valores de unión, cuando las tradiciones de Egipto, Etiopía, Sudán, Uganda… (y sus respectivos instrumentos) se van integrando o alternando a lo largo de una misma pieza. Una armonía que suena sorprendentemente accesible incluso para la o el oyente occidental, a pesar de la diversidad de instrumentos musicales, estética, estilos y lenguas. Los temas están compuestos por los y las artistas intérpretes en seis idiomas. Las voces de la egipcia Dina El Wedidi, la etíope Selamnesh Zemene (componente de Ethiocolor), o de la sudanesa Alsarah protagonizan de forma espectacular este mega-proyecto musical, destacando también la versatilidad, energía y gran voz del burundés Steven Sogo.
Como señalaban en un principio Girgis y Hadero, The Nile Project es más que panafricanismo, es "pan-niloísta". En este proyecto las conexiones entre los países del Nilo son, de tan evidentes, casi una denuncia: siendo tan claros los parentescos entre instrumentos, sonidos y ritmos, siendo tan claros los lazos que unen todos estos países, ¿por qué han vivido de espaldas unos a otros? Además, The Nile Project es un proyecto medioambiental, de sensibilización para remarcar la necesidad de proteger y valorar los ecosistemas de la cuenca del Nilo. Para quitarse el sombrero.

Página web oficial: The Nile Project

Personal:
Dawit Seyoum (Etiopía) – krar, bass krar
Dina El Wedidi (Egipto) - vocal
Hany Bedair (Egipto) – duff, tabla, riqq
Jorga Mesfin (Etiopía) - saxofón
Kasiva Mutua (Kenia) – ohangla, djembe
Meklit Hadero (Etiopía) - vocal
Micheal Bazibu (Uganda) – adungu, entongoli, engoma, engalabi
Mohamed Abozekry (Egipto) - oud
Nader Elshaer (Egipto) - kawala
Sarah Abunama-Elgadi (Alsarah) (Sudán) - vocal
Selamnesh Zemene (Etiopía) - vocal
Sophie Nzayisenga (Ruanda) – vocal, enanga
Steven Sogo (Burundi) – vocal, bajo, ikembe

tracks list:
01. Inganji - feat. Sophie Nzayisenga and Selamnesh Zemene
02. Allah Baqy - feat. Dina El Wedidi and Sarah Abunama-Elgadi
03. Ya Abai Wuha - feat. Selamnesh Zemene
04. Omwiga - feat. Micheal Bazibu
05. Uruzi Nil - feat. Steven Sogo
06. Dil Mahbuby - feat. Dina El Wedidi and Mohamed Abozekry
07. Tenseo - feat. Jorga Mesfin, Mohamed Abozekry and Selamnesh Zemene
08. Marigarita - feat. Sophie Nzayisenga, Hany Bedair, and Selamnesh Zemene
09. Biwelewele - feat. Steven Sogo
10. Mulungi Munange - feat. Micheal Bazibu, Sophie Nzayisenga and Steven Sogo





Tinariwen – Elwan (2017)

Elwan es el séptimo álbum de estudio de los míticos Tinariwen, grupo emblemático del llamado blues del desierto que lleva más de tres décadas en activo y que bandas, como Terakaft, Tamikrest o Bombino, les reconocen como su mayor influencia. Fiel a su idiosincrasia, pero también obligados por la a menudo sangrienta agitación imperante en su hogar sahariano, la referencial banda tuareg actúa, compone y graba de forma cambiante, según las circunstancias, pero siempre marcadas por la sensación de la tierra perdida. En esta ocasión registraron este disco en California (curiosamente en un lugar de connotaciones familiares para la afición roquera como es el parque nacional de Joshua Tree) y lo han completado en M’Hamid El Ghizlane, un oasis al sur de Marruecos. Apropiada dicotomía que refleja el contenido del álbum.

"Elwan" significa "los elefantes" y es una metáfora para describir a esas bestias que pisotean todo lo que les rodea. Se trata de un disco vital con canciones de lucha, cantos de esperanza y con ese sonido limpio y característico de la guitarra Stratocaster, además de las voces profundas de sus dos cantantes y compositores principales Ibrahim Ag Alhabib y Abdallah Ag Alhoussenyi. Las once composiciones del disco ofrecen su mayor virtud en el contraste entre temas vigorosos y relajantes: se abre con "Tiwàyyen", un blues con su marejada de punzadas guitarreras que acaba con esas aceleraciones típicas de los ritmos gnawa (que lleva la memoria a los inicios del grupo); en "Sastanàqqàm" las guitarras cíclicas e hipnóticas parecen cantar junto a los coros de la banda, y el choque con la realidad del grupo y su entorno queda patente en "Ténéré Tàqqàl", triste y espiritual lamento por el saqueo de su tierra. "Imidiwàn n-akàll-in" nos remite a la soledad del desierto para, de nuevo, volver con guitarras acústicas y vibrantes percusiones en la envolvente "Assàwt". Cierra el disco un emotivo blues, "Nànnuflày", un abrasivo tema sobre la inmensidad y el vacío del desierto.
Con las notables colaboraciones, además, de influyentes músicos norteamericanos como Kurt Vile, Mark Lanegan y Matt Sweeny, en Elwan la banda ha conseguido, de nuevo, recoger en el estudio el fascinante trance de sus directos.

Página web oficial: Tinariwen

tracks list:
01. Tiwàyyen
02. Sastanàqqàm
03. Nizzagh Ijbal
04. Hayati
05. Ittus
06. Ténéré Tàqqàl
07. Imidiwàn n-àkall-in
08. Talyat
09. Assàwt
10. Arhegh ad annàgh
11. Nànnuflày





Afro Celt Sound System – The Source (2016)

Sonido global con artistas procedentes de Europa y África han sido el alimento del proyecto Afro Celt Sound System, grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), N'Faly Kouyate (kora y balafón), Johnny Kalsi (percusión), Moussa Sissokho (percusión) y Griogair Labhruidh (flautas, voces y guitarras), siendo partícipes del grupo, también, James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz), Emer Mayoc (gaitas) y Martin Russell (teclados y programación), verdadero artífice de su sonido.
Aunque Simon Emmerson había formado la banda en 1991, no fue hasta el año 1996 cuando se dieron a conocer en el festival Womad, donde tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus seis álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003), Anatomic (2005) y The Source (2016), que celebra su 20 aniversario y que les ha supuesto el premio al Mejor Grupo en los Songlines Music Awards de 2017.
En estos trabajos, además, han disfrutado de las colaboraciones de artistas de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otras y otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado los cinco primeros álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como "Hotel Rwanda", "Stigmata", "Gangs of New York" y "Nikita".
Afro Celt Sound System fusiona la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, utilizar tecnologías contemporáneas -trabajan con ordenadores- y cuidar el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music.

Página web oficial: Afro Celt Sound System

tracks list:
01. Calling in the Horses
02. Beware Soul Brother
03. The Magnificent Seven (ACSS meets TDF)
04. Cascade
05. A Higher Love (tune "Monkswell Road")
06. Honey Bee
07. Where Two Rivers Meet
08. Mansani Cissé/Tàladh
09. Child of Wonder
10. Desert Billy (tune "The Balcony")
11. The Communicator
12. The Soul of a Sister
13. Kalsi Breakbet





Deolinda – Outras Histórias (2016)

Desde que comenzaran su andadura en 2006, Deolinda se ha convertido en uno de los grupos de más éxito de Portugal con su fórmula de crear una interesante mezcla de géneros, con base de música popular portuguesa y fado fusionados con sonidos de jazz, samba y pop. De hecho, es imposible hacer la banda sonora de los últimos nueve años en Portugal sin el importante papel que ocupa Deolinda.
Outras Histórias es su cuarto álbum de estudio, tras Mundo Pequenino, publicado en 2013. Presentado en febrero de 2016, en él se atreven con nuevos sonidos y géneros sin perder por ello su inconfundible estilo que hace únicos a Deolinda. En el disco hay interesantes colaboraciones como las de Manel Cruz (de la desaparecida Ornatos Violeta), que aparece en dueto con Ana Bacalhau en el precioso tema "Desavindos", la de Dj Riot (Buraka Som Sistema) en "A Velha E O Dj", y el de la Orquesta Sinfónica de Lisboa dirigida por el Maestro Vasco Pearce de Azevedo, con los arreglos de cuerda escritos por Filipe Melo.

Coproducido por João Bessa, además de contar con la voz e interpretación sin igual de Ana Bacalhau, la banda portuguesa tiene entre sus miembros al gran compositor Pedro Da Silva Martins, uno de los autores más prolíficos y solicitados del panorama portugués que firma composiciones para grandes artistas como Ana Moura, Cristina Branco, António Zambujo y Mariza entre otros. En definitiva, Outras Histórias vuelve a ser un ejemplo del eclecticismo musical, conexión emocional con el público y el buen hacer de los Deolinda.

Página web oficial: Deolinda

tracks list:
01. Bons Dias
02. Manta Para Dois
03. Mau Acordar
04. Corzinha De Verão
05. Bote Furado
06. Desavindos (feat. Manel Cruz)
07. Canção Aranha
08. Avó Da Maria
09. Nunca É Tarde
10. A Velha E O Dj (feat. Dj Riot)
11. Pontos No Mundo
12. Berbicacho
13. Bom Partido
14. Canções Que Tu Farias
15. Dançar De Olhos Fechados





Quantic & Nidia Góngora – Curao (2017)

Curao significa la culminación de una asociación creativa que ha estado chispeando durante una década, la unión entre el melómano, explorador y nómada sonoro William "Quantic" Holland y la sublime Nidia Góngora, un álbum mágico, tan visceral como espiritual. Una nueva y muy original interpretación de las tradiciones musicales únicas, ricas y místicas de la Región del Pacífico colombiano.
Curao es el lugar en el que se encuentra el sonido ancestral del folclor Pacífico mezclado con sutiles tintes de arreglos electrónicos. Un espacio sonoro donde la marimba de chonta (piano de la selva) se hermana con el downtempo, donde el currulao convive con el dub, donde la chirimía y los aires de drum&bass se cruzan, se mezclan.
"Nidia tiene una historia muy especial, y como cantante encarna el espíritu y los tesoros ancestrales de su origen", dice Quantic de la cantante, que ha prestado su energía y talento únicos a algunos de sus lanzamientos más populares (como, por ejemplo, Ondatrópica). Nidia Góngora, considerada una de las principales artistas de la música típica de la marimba de la región del Pacífico Sur y guardiana de la tradición oral, lidera los principales conjuntos regionales, como Grupo Canalon, y juega un papel clave como mentora de grupos más jóvenes. Actualmente afincada en la ciudad de Cali, Góngora nació en una familia musical en el remoto pueblo fluvial de Timbiquí, una comunidad afrocolombiana cuya ubicación y contrastes culturales proporcionan una inspiración sin fin.

En esta creación de 18 canciones está la selva, el río bravo, la lluvia; el arroz con coco, el borojó, los cangrejos, los camarones, el viche; la religión, los arrullos, la redención; la marimba de chonta, los redoblantes, los vientos metálicos. Todo en una descripción que es puro realismo mágico donde se pintan los paisajes del Pacífico profundo.
El disco arranca con una intro de sonidos de lluvia, tambores y rituales, que lo sitúan a uno en aquellos paisajes propios de la Costa Pacífica colombiana, al igual que todos los interludios que hacen parte del disco. En su primera parte canciones como "E Ye Ye" y "Dub del Pacífico" reflejan los sabores y los sonidos de esta zona del país. Mientras "Que me duele?", "Se lo ví" y "Muévelo negro", revelan historias vivenciales de la cotidianidad, desde los dolores que aquejan el cuerpo, hasta el baile y la jodedera.
El disco continúa con "Amor en Francia", "Ojos vicheros" y "Ñanguita", canciones en las que el folclor Pacífico y detalles de la electrónica se hacen más fuertes. Más adelante canciones como "Dios promete", "María no me llevó" y "Maldito muchacho", son los lugares en los que la tradición religiosa se convierte en arrullo redentor y súplica, mientras "No soy del Valle" y "Un canto a mi tierra", son la apropiación de la tierra y el empoderamiento de las raíces.
Este es, en últimas, un viaje a lo ancestral con un sonido moderno en el que queda claro que la unión Quantic-Góngora siempre nos va a traer magia sonora para abstraernos en selvas profundas y místicas. (Fuente: Noisey)

Página web oficial: Quantic

tracks list:
01. Intro
02. E Ye Ye
03. Que me duele?
04. Dub del Pacifico
05. Interludio I
06. Se lo ví
07. Muévelo Negro
08. Amor en Francia
09. Ojos Vicheros
10. Ñanguita
11. Dios promete
12. Interludio II
13. María no me llevo
14. Interlucio III
15. Un canto a mi tierra
16. No soy del Valle
17. Interludio IV
18. Maldito muchacho





Amadou & Mariam – Dimanche à Bamako (2004)

Malí ha sido, de siempre, un sitio de encuentro intercultural entre árabes y bereberes del norte y gente de la África Occidental del Sur. Es por ello que posee una vida cultural rica y variada. Su yacimiento musical es impresionante: Salif Keita, Ali Farka Touré, Toumani Diabaté, Oumou Sangaré, Ballaké Sissoko, Tinariwen, Bako Dagnon… forman parte de su elenco de leyendas vivas. Y, desde hace algunos años, Amadou & Mariam. Dimanche à Bamako (2004), disco producido por Manu Chao, supuso su salto a la fama internacional. Para entonces ya llevaban treinta años cantando juntos y cosechando éxitos en África Occidental con su blues hipnótico y luminoso, el "afro-blues".
Mariam Doumbia y Amadou Bagayoko nacieron en Bamako, capital del país. Ambos perdieron la vista en la infancia, y se volcaron en la música desde su más temprana edad y fue la música la que les unió, en 1975, en el Instituto para Jóvenes Ciegos de Bamako en 1975. Desde entonces nunca se han separado, ni cuando emigraron a Abiyán (Costa de Marfil), ni cuando se fueron a Francia, ni cuando llegó la fama y el reconocimiento internacional.
Entre 1974 y 1980, Amadou fue parte del grupo Les Ambassadeurs du Hotel. Mezclando influencias africanas, cubanas, de la India, el jazz, el reggae, el blues y el pop, Amadou & Mariam se abrieron paso en el gigantesco panorama de artistas africanos/as. Durante los años 90 viven una primera temporada en París. Graban un primer disco, Sou Ni Tilé, cuyo single "Je Pense A Toi" vende más de 100.000 ejemplares en 1998 en el país vecino. Sigue un segundo álbum y una serie de giras por Europa y USA. En 2003, Manu Chao, ya separado de Mano Negra, se enamora de su música y colabora con ellos en la composición de un nuevo disco, Dimanche à Bamako, que sale en 2004. El álbum, una pequeña joya de música maliense para oídos occidentales, recibe muchos premios, en Reino Unido y Francia entre otros, donde se venden más de 300.000 copias.

El disco se abre a ritmo cadencioso con "M´Bifé", una de las seis canciones que Manu Chao coescribe con la pareja africana. Pero no es hasta "Coulibaly" y "La Réalité" cuando Dimanche à Bamako levanta el vuelo con una mezcla de ritmos africanos con los instrumentos eléctricos más modernos (guitarra, teclados, programación) y tradicionales (djembé, flauta y percusión).
Registrado entre septiembre de 2003 y abril de 2004 en estudios de grabación de Bamako y París, además de algunas sesiones en un hotel campamento de Mopti, las quince canciones de Dimanche à Bamako supusieron un salto de calidad en el sonido contagioso de Amadou & Mariam, que hasta la fecha habían publicado tres discos grandes, Sou Ni Tilé (1998), Tjé Ni Mousso (1999) y Wati (2002), así como varias cassetes para el mercado regional africano.
La acogida del disco fue inmejorable: logró los primeros puestos de las listas europeas de músicas del mundo, y la gente, además del renovado sonido africano de la pareja malí, sigue descubriendo en "Sénégal Fast Food" una de las mejores canciones que Manu Chao compuso en francés desde Mano Negra. Un disco hermoso. Una historia para repetir.

Página web oficial: Amadou & Mariam

tracks list:
01. M´Bifé
02. M´Bifé Balafon
03. Coulibaby
04. La Réalité
05. Sénégal Fast Food
06. Artistiya
07. La Fête au Village
08. Camions Sauvages
09. Beaux Dimanches
10. La Paix
11. Djanfa
12. Taxi Bamako
13. Politic Amagni
14. Gnidjougouya
15. M´Bifé Blues





Taraf de Haïdouks – Dumbala Dumba (1998)

Taraf de Haïdouks es, probablemente, la agrupación musical rumana más exitosa en la era moderna o, quizás, de todos los tiempos. Desde su primera visita a Europa Occidental en 1991, han sido considerados como el epítome de la fabulosa vitalidad de la música zíngara, y cuentan con siete álbumes de estudio (el último de 2015, Of Lovers, Gamblers & Parachute Skirts) y diversas colaboraciones (especialmente, con Kočani Orkestar).
Durante siglos, en muchas regiones de Rumania, la música tradicional y los bailes han acompañado los momentos más importantes de cada vida. En ningún nacimiento, en ningún bautismo, en ningún casamiento ha faltado la presencia de una banda de músicos que interpretara las canciones que sus antepasados les fueron transmitiendo generación tras generación. Una de estas agrupaciones traspasó las fronteras de su país y llevó esta música a distintas partes del mundo. Taraf de Haïdouks son una docena de músicos gitanos que proceden de un pueblo de Rumania llamado Clejani. Los integrantes de esta banda, cuyas edades van desde los 20 hasta los 80, nunca habían tenido la oportunidad de salir de su lugar de origen hasta que dos músicos extranjeros (Stéphane Karo y Michel Winter) los conocieron y se entusiasmaron con la idea de dar a conocer esta música al resto del mundo.
Stéphane Karo fue a Rumania con la intención de conocer a fondo la música que había escuchado alguna vez en una tienda de discos en Bruselas. En Clejani conoció a Nicolae Neacșu, una enciclopedia viva del folklore rumano que vivía solo en un cuarto de caballeriza. Éste, sorprendido por el interés demostrado por el recién llegado, grabó, de manera precaria, algo de la música tradicional junto a algunos músicos jóvenes. Sin embargo, justo en ese momento comenzó la revolución, que luego terminaría con la caída de Ceaucescu, y por tal razón se vieron impedidos de concretar una grabación profesional.
En 1990, cuando la situación política se tranquilizó, Karo y Winter viajaron a Clejani y, tras conocer a otros músicos de la región, decidieron organizar una gira por Europa con la nueva banda a la cual llamaron Taraf de Haïdouks (taraf es una palabra turca que designa a un grupo de músicos y los haïdouks fueron unos legendarios bandidos al estilo Robin Hood, héroes en las baladas medievales). Los productores eligieron a seis músicos para la gira, incluyendo a Neacșu y a Ion Manole, un cantante que sorprende por la forma de modular su voz. Pero la presión del resto de los pobladores hizo que se aumentara el número de integrantes hasta alcanzar la docena.
Esta gira les supuso el primer contrato de grabación con el sello belga Crammed Discs. El álbum debut de la banda, Musique des Tziganes de Roumanie, rápidamente escaló a las primeras posiciones de las listas europeas de world music. Este disco les permitió introducir en el mundo occidental la riqueza y el ritmo de la música gitana rumana, deslumbrando y sorprendiendo en cada presentación en festivales, salas de conciertos y clubs de toda Europa, incluyendo su actuación en el Womad de Montreaux.
Dos años después grabaron en Rumania su segundo disco, Honourable Brigands, Magic Horses and Evil Eye, muy bien recibido por la crítica y resultando elegido en Alemania como mejor álbum de world music.

Dumbala Dumba, considerado su trabajo más emblemático, se registró en el ambiente familiar de Clejani y en Bucarest a finales de 1997. Al igual que sus predecesores, fue producido por Stéphane Karo, Michel Winter y el productor e ingeniero de CramWorld Vincent Kenis. En esta ocasión los Taraf contaron con una serie de invitados/as muy especiales: los músicos de Mîrsa con su característico estilo vocal de llamada y respuesta, los ursari (que descienden de la cofradía de los domadores de osos), Rosioru (trovador de los gitanos de Valachian), así como Viorica, una notable vocalista femenina. Las grandes actuaciones de estos musafirii (invitados) y de todo el estilo de fondo de los Taraf contribuyen a hacer de Dumbala Dumba un álbum fresco, cálido, íntimo y poético.

tracks list:
01. Introduction
02. Dumbala dumba
03. Săbărelu (cît e Argeşul de Mare)
04. Rustem
05. Foii de prun şi foii de praz
06. Cuculeţu
07. Terno Chelipé
08. Catar o birto mai opre
09. Pe deasupra casei mele
10. Meşteru Manole
11. Cîntece de jale
12. Pe drumul mînastiresc
13. Padure verde, padure
14. Tambal solo
15. Tot taraful
16. Hora ca la ursari





Ecos de Borinquen – El alma de Puerto Rico (2016)

Durante casi 40 años, Ecos de Borinquen ha capturado el alma de la música jíbara en sus interpretaciones y grabaciones a través de un exquisito balance entre tradición e innovación. Fundado en 1980 por el trovador Miguel Santiago Díaz, el grupo ha acogido a algunos de los mejores instrumentistas de Puerto Rico como Neftalí Ortiz, Edi López y Ramón Vázquez. Los creativos arreglos de Ecos de Borinquen para el cuatro (el instrumento de cuerda más icónico de la música jíbara) junto con la maestría poética de Miguel Santiago para componer décimas, han hecho de este grupo uno de los preferidos entre las audiencias locales y han atraído reconocimiento internacional. En 2004, su disco Jíbaro Hasta el Hueso fue nominado al premio Grammy en la categoría de mejor álbum "Traditional World Music" y al premio Latin Grammy en la categoría de "Best Folk Music", haciendo de ésta una de las más exitosas grabaciones de música jíbara desde aquellas legendarias del cantante Ramito (Florencio Morales "Flor" Ramos), quien durante la década de 1950 popularizó este estilo de música tradicional puertorriqueña a lo largo de América Latina y los Estados Unidos.
En El alma de Puerto Rico, su segunda grabación con Smithsonian Folkways, Ecos de Borinquen presenta una variedad de géneros tradicionales como el seis, aguinaldo y la cadena, que son considerados la esencia misma de la música jíbara. La música jíbara suge de la población campesina de la isla, nacida de la mezcla racial entre europeos, indígenas taínos (habitants precolombinos) y africanos, formando un fenotipo mestizo con un gran componente racial de origen andaluz, canario, extremeño, sefardita, morisco y castellano. Los instrumentos musicales reproducían a sus ancestros de la península ibérica y Canarias, desarrollándose la construcción de instrumentos propios como cuatros, tiples, bordonúuhoihuois, guitarras y el nativo güiro, idiófono raspador construido con un fruto de la isla. La música jíbara se compone de varios estilos musicales, denominados seis y aguinaldos. Los versadores en rima, principalmente en décimas y decimillas fijas o improvisadas, son una característica en el tipo de expresión vocal. Las danzas, que incluían zapateados y una representación coreográfica, eran parte de fiestas patronales, celebraciones navideñas y fiestas para conmemorar el "acabe", nombre que se le daba al fin de la temporada de la cosecha. La música también era parte de la vida cotidiana de la población jíbara. El canto acompañaba el trabajo en el campo, las labores domésticas, las actividades de entretenimiento y la narración de cuentos e historias.

Miguel Santiago Díaz, originario del poblado montañero de Comerío (considerado la cuna de los trovadores) nació dentro de la tradición de cantar décimas o trovas. Maestro de escuela retirado conocido como el maestro de la trova, usa la música como "una extensión de su filosofía de enseñanza". La música, según Miguel, es una manera de "transmitir valores" heredados de sus ancestros: la hospitalidad, la devoción religiosa, la buena fe y, sobre todo, el amor por Puerto Rico, sus hermosas mujeres, su radiante campiña y sus vigorosas tradiciones. Miguel ha infundido estos temas con maestría en los seises y aguinaldos interpretados en el álbum a través del uso de lenguaje poético (metáforas, aliteraciones, repeticiones) y su destreza en el arte de construir décimas.
El nombre Ecos de Borinquen procede de un programa de radio que Miguel Santiago Díaz inauguró en 1978 en la estación WViAc 740 AM, y que todavía está en el aire en la WQbs 870 AM. El programa tenía como propósito dar mayor exposición pública a la música jíbara la cual, según Miguel Santiago, tiene una presencia limitada en las ondas radiales nacionales. Dos años más tarde, Miguel incorporó el grupo Ecos de Borinquen como parte del programa para acompañar trovadores y cantantes invitados/as. Yezenia Cruz, quien canta en este álbum, fue una de las artistas jóvenes destacadas en el programa. Ahora, en la cúspide de su carrera, su voz poderosa y enérgica complementa la experimentada voz de Miguel Santiago en El alma de Puerto Rico.

El cuatrista José "Cheo" Delgado, quien se unió a Ecos de Borinquen en 1997, recuerda la importancia que en el programa radial se le daba no solo a las voces sino también a la música instrumental: "cada domingo [en el programa] podíamos tocar danzas, mazurcas, valses y pasodobles de los grandes Maestros Ladí (Ladislao Martínez), Nieves Quintero, Maso Rivera… fue una experiencia formadora para mí". Siguiendo esta tendencia, Ecos de Borinquen ha incluido en El alma de Puerto Rico tres piezas instrumentales inéditas compuestas para cuatro por Héctor "Tito" Báez, acompañante de Nieves Quintero y parte de la escena musical jíbara en Nueva York durante la era de Ladí, a principios del siglo XX, cuando el Conjunto Típico Ladí y otros grupos pioneros comenzaron a incorporar música de salón derivada de modelos europeos del siglo XIX y estilos de música popular de Estados Unidos y Latino América dentro del repertorio jíbaro. Tres piezas incluidas en este álbum son testimonio de la popularidad, sofisticación y sabor criollo adquirido por este repertorio: una mazurca ("Gloria"), un foxtrot ("El Rodadero") y un pasillo colombiano ("Homenaje a Juan González").
La influencia de la música instrumental para cuatro es evidente en la interpretación de géneros tradicionales de la música jíbara. Especialmente en las interpretaciones en vivo, durante las secciones improvisadas de los seises y aguinaldos, los cuatristas con frecuencia utilizan escalas y acordes de jazz con una técnica impecable. En El alma de Puerto Rico, el cuatrista Cheo Delgado ofrece algunos solos jazzísticos a Nieves Quintero. Nieves Quintero, quien redefinió el arte de tocar el cuatro incorporando elementos de música popular latinoamericana (son, bolero, guaracha, danzón), jazz, blues y folclore latinoamericano (joropo llanero, milonga) dentro de los estilos jíbaros, ha sido influyente para músicos jíbaros como José "Cheo" Delgado y Ramón Vázquez Lamboy (director musical del grupo), quienes han usado el conocimiento legado por estos grandes maestros para crear un sonido único para el grupo, que los ha mantenido a la vanguardia de la música jíbara. En El alma de Puerto Rico son presentados Benjamín Laboy (segundo cuatro) y la trovadora Elsie Marie Díaz, estrellas en ascenso que ahora hacen parte de la familia de Ecos. Como continuación de una venerable tradición puertorriqueña, El alma de Puerto Rico representa una grabación inmejorable para las y los fans de la música jíbara y para cualquiera que guste de la música tradicional.

tracks list:
01. Soñando con regresar (seis joropo estilo Ángel Luis García)
02. Nuestro amigo el flamboyán (seis a Borinquen)
03. El alma de Puerto Rico (seis tumbao)
04. Paraíso borincano (llanera estilo bairoa)
05. Homenaje a Juan González (pasillo)
06. Gloria al idioma español (seis marumba)
07. Hospitalidad (aguinaldo nuevo)
08. El Rodadero (fox criollo)
09. Un sol de esperanza (aguinaldo de promesa)
10. Comerío vibra en mí (seis guaracaná)
11. Tres generaciones (aguinaldo patrullero)
12. Cadenas
13. Fiesta en el batey (aguinaldo comerío)
14. Gloria (mazurka)
15. Plegaria (aguinaldo mayagüezano)
16. Por amor (seis gurabo)





Calypso Rose - Far From Home (2016)

Calypso Rose es la embajadora de la música caribeña, leyenda viva del calypso ("kaiso") y del soca, el género antillano nacido en el contexto del carnaval, con raíces tanto africanas como europeas que surge en el siglo XIX (que vive su apogeo hacia la década de los años 60 y 70), y cuyo origen se sitúa en las comunidades urbanas de origen africano de Trinidad y Tobago.
Rose McCartha Linda Sandy Lewis nació el 27 de abril de 1940 en la pequeña isla de Tobago, república de Trinidad & Tobago, en las Antillas Inglesas. Hoy en día vive en el Queens en Nueva York pero regresa varias veces al año a su isla para regenerarse, dice "encuentro en Tobago a mis raíces africanas…". Hija de un pastor batista, Rose comienza a cantar con 15 años, edad en la que ya compuso su primer tema, "Glass Thief", el primer calypso que denunciaba la desigualdad entre sexos. Desde entonces, ha dedicado su vida entera a la música, "No me he transformado en una cantante de calypso, he nacido Calypso".
Pasó 17 años cantando en cruceros para una compañía estadounidense antes de tener la oportunidad de cantar en los mundialmente famosos Teatro Apolo y Madison Square Garden con dos de los mayores exponentes del calypso: Lord Kitchener y Mighty Sparrow.
Calypso Rose es una trabajadora incansable, ha escrito más de 800 canciones y grabado más de 20 discos producidos en el mundo entero. Comparada con Miriam Makeba y Cesária Évora, todas las comunidades del Caribe –anglófona, francófona o hispánica - la reciben con fervor: es la única artista femenina a quien han coronado en el famoso carnaval de Trinidad, ya en 1978, y en haberse llevado cinco veces seguidas el premio de "Calypso Queen". Calypso Rose es un icono. Su personalidad, su carisma y su alegría de vivir hacen de ella una cantante del alma. Una cantante de Soul, Gospel, de Blues y por supuesto de Calypso, una diva de la música popular.
En Far From Home (2016) nos encontramos con un desfile musical caribeño con cambios de ritmo, color y estados de ánimo, en el más puro estilo del Carnaval que, más que un ritual festivo, es el principal evento cultural de Trinidad y Tobago y personifica el alma así como la diversidad social y étnica de su población.

La producción ejecutiva la lleva Jean-Michel Gibert (quien ha manejado la carrera de la artista desde su álbum A Dirty Jim en 2005). La producción corre a cargo de Ivan Duran, y Drew Gonsalves (de la banda Kobo Town) co-escribe algunas de las canciones y compone los arreglos. Por su parte, Manu Chao co-produce y deja su huella inconfundible cantando en tres canciones ("Leave Me Alone", "Far From Home" y "Human Race") y tocando el charango. El arte gráfico del álbum con ilustraciones de Maxime Mouysset.
Calypso Rose no sólo es una artista totalmente única, sino también una figura heroica cuya vida entera es una lección. "Far From Home" no sólo reboza de alegría, sino que también lleva las huellas de la conciencia siempre alerta de una mujer que todavía está luchando por el bien, la denuncia de la violencia doméstica en canciones como "Abatina" o la injusticia social en "No Madame" (una canción que escribió en la década de los 70 y que ha contribuido a la evolución de las leyes relativas al tratamiento de los derechos del empleo doméstico en Trinidad). Una mujer cuya memoria va más allá de su propia existencia, en "I Am African", para abarcar el destino de toda la diáspora negra, en el mismo espíritu de Bob Marley, a quien conocía bien y con quien compartió escenario en más de una ocasión. Con su valor, su fuerza y su humanidad, sólo ella podía, en estos tiempos de discordia y violencia global, cantar una canción de amor y fraternidad universal tan entrañable como "Human Race".
Un trabajo que le ha valido el premio al mejor disco (en la categoría Músicas del Mundo) en "Les Victoires de la Musique" de la Academia de Música de Francia, el WOMEX Awards de 2016 y el Songlines Music Awards de 2017.

Página web oficial: Calypso Rose

tracks list:
01. Abatina
02. I Am African
03. Leave Me Alone (feat. Manu Chao)
04. Far From Home
05. Calypso Queen
06. Zoom Zoom Zoom
07. Trouble
08. Love Me or Leave Me
09. No Madame
10. Woman Smarter
11. Human Race
12. Wah Fu Dance!





Salah Ammo & Peter Gabis – Assi – A Story of a Syrian River (2014)

Salah Ammo vive en Viena desde 2012 debido a la situación en su país de origen, Siria. Todo lo que trajo de allí fue su bouzouki, su música, su pasión y su sueño musical. La voz conmovedora de Salah Ammo se acompaña de la extraordinaria y sensible instrumentación y del canto de Peter Gabis. Las composiciones que nos presentan están en lengua kurda y árabe y proporcionan un espacio emocionante y de versátil comunicación musical para los dos artistas.
Antes de trasladarse a Damasco para estudiar en el Instituto Superior de Música, Salah Ammo vivió y creció en el norte de Siria, donde los pueblos kurdo, árabe, armenio, y asirio convivieron juntos durante cientos de años. Influenciado por la música de estas culturas, presentó su experiencia con su grupo JOUSSOUR, considerado como una de las bandas interculturales más importantes de su país. Por su parte, Peter Gabis es baterista de jazz, percusionista y cantante de tonos. Estudió en Viena y Nueva York, y es conocido como un sólido percusionista en la vibrante escena vienesa de jazz, habiendo participado en innumerables conciertos y giras en Europa, Estados Unidos, Australia y África. En los últimos años se ha centrado en la música étnica, en paisajes sonoros meditativos y en el canto de tonos, siendo profesor de percusión en el Conservatorio de Viena.
El proyecto de Salah Ammo y Peter Gabis comenzó en 2013, y el resultado es Assi – A Story of a Syrian River, donde las composiciones que realizan reflejan la apertura de los músicos para combinar diferentes estilos de muchas culturas e interpretarlas de una manera totalmente novedosa. Las letras son profundas, e incluso cuando la o el oyente no entiende el idioma, la emocionalidad de los paisajes sonoros que crean transportan al significado de las canciones.

Assi aborda los acontecimientos en curso en Siria y sus consecuencias sobre el pueblo sirio. Se basa en su fuerte creencia de que la música no es sólo una forma de entretenimiento, sino mucho más un acto y estilo de vida, una actitud y una forma de expresión y reflexión sobre los valores y pensamientos de las personas.
Indudablemente, una canción o un disco no son suficientes para narrar el desastre sirio y sus trágicos capítulos de diáspora, opresión y muerte. Por otro lado, ¿qué puede aportar un músico sirio para confrontarlo, que no tiene más que su voz y su música, y las historias que vivió con todos sus sentimientos? Con esta tragedia, la música se convierte en el hogar, el refugio y el lenguaje, que esperanzadamente reúne al pueblo sirio que ha estado separado por la política, el conflicto y la injusticia.
El título del álbum "Assi" es el nombre de un río en Siria (el río Orontes) y significa "desobedecido" porque fluye al revés. En la canción "Assi" se lleva a cabo un diálogo entre Assi y el cantante, durante el cual intercambian ideas sobre la tragedia siria y la traición del mundo al pueblo sirio y a su calvario humanitario. La historia de "Assi" se sitúa metafóricamente en las historias de millones de sirios/as. El río solía ser una fuente vibrante de energía para las ruedas de agua (Nuayir) de la ciudad de Hama (una de las ciudades monumentales más famosas de Siria).
Además de "Assi", el álbum cuenta con otras seis canciones en árabe y kurdo. El álbum contiene un libreto que presenta cada canción en kurdo, árabe, inglés y alemán, diseñado por el artista sirio Ahmad Ali (que reside en Paris).
En definitiva, Assi: A Story of a Sirian River es la respuesta musical de un hombre que perdió su hogar, pero no su esperanza de un mundo mejor.

Página web oficial: Salah Ammo, Peter Gabis

tracks list:
01. Leysa Lil Kurdi illa Arrieh
02. Assi
03. Sabahkon Huorya, Roja wa Azzadi ba
04. Darweshe Avdi
05. Rojava ma
06. Lami Maqam "Ya man Hawaho"
07. Alhajir





Aziza Brahim – Abbar el Hamada (2016)

La cantante y poetisa Aziza Brahim es, a partes iguales, artista y activista, y su nuevo disco -después del extraordinario Soutak (2014), valorado como uno de los mejores del año- es toda una declaración de intenciones, la búsqueda de la paz en un contexto internacional donde se están levantando muros y fronteras, y donde miles de emigrantes huyen de la pobreza y los conflictos.
En Abbar el Hamada, Aziza profundiza en los sonidos contemporáneos de África Occidental, repitiendo con el productor Chris Eckman (Tamikrest, Bassekou Kouyate…). En el álbum participan el percusionista senegalés Sengane Ngom, el baterista Aleix Tobias (que ha estudiado percusión en Gambia y Senegal), regresa el guitarrista maliense Kalilou Sangare, el bajista, guitarrista y arreglista Guillem Aguilar y el guitarrista Ignasi Cussó. Aziza explica que en Abbar el Hamada "los ritmos tradicionales saharauis (como Asarbat y Sharaa) se mezclan con los tambores y ritmos de África Occidental (especialmente Senegal) y por supuesto los sonidos y ritmos mediterráneos también".

El resultado es un trabajo tan diverso como enérgico. "Hamada" es la palabra usada por el pueblo saharaui para describir el paisaje rocoso del desierto a lo largo de la frontera sur del Sahara argelino Occidental donde decenas de miles de sus habitantes están varados en campamentos de refugiados. "El título del disco sintetiza nuestro destino como pueblo después de los últimos 40 años" dice Aziza, "estamos sufriendo una injusticia que nos condena a intentar sobrevivir en un entorno tan inhóspito como la Hamada".
Con Abbar el Hamada, Aziza Brahim transforma la angustia en canciones, siguiendo la estela de Soutak: difundir el mensaje de liberación y resistencia del pueblo saharaui a escala internacional. (Fuente: Músicas del mundo)

Página web oficial: Aziza Brahim

tracks list:
01. Buscando la Paz
02. Calles de Dajla
03. El canto de la arena
04. El wad
05. La cordillera negra
06. Abbar el Hamada
07. Baraka
08. Mani
09. Intifada
10. Los muros





Ana Tijoux – Vengo (2014)

Ana Tijoux se presenta golpeando almas y conciencias con los versos de su último álbum hasta la fecha, Vengo, aparecido en 2014. Un trabajo que le valió una nominación como Mejor Álbum Latino en la edición de los premios Grammy de 2015. Lejos de arquetipos raperos, la artista se ha labrado una reputación como abanderada del hip-hop de protesta, actitud que acompaña con una rica formulación musical. Ambos aspectos se equilibran perfectamente en una propuesta que ha llamado la atención no solo del público latinoamericano, ya que también ha sido aplaudida en escenarios de Europa y Estados Unidos. Baste señalar que, según The New York Times, Tijoux es "la respuesta latinoamericana a Lauryn Hill".
Ana Tijoux, nombre artístico de Ana María Merino Tijoux, empezó a ser conocida en América Latina cuando participaba en la banda de hip-hop Makiza, hacia fines de los noventa. Su origen chileno-francés se debe a que sus padres (es hija de la renombrada Doctora en Sociología María Emilia Tijoux) fueron exiliados tras el golpe militar del 11 de septiembre de 1973, que derrocó al gobierno del Presidente Salvador Allende. Tras el ascenso al poder de Augusto Pinochet, miles de chilenas y chilenos fueron desaparecidos o exiliados por oponerse al régimen.
Tijoux pudo instalarse definitivamente en su país en 1993, fecha en la que la cantante comenzó a moverse en el mundo del rap local, para luego formar su primera banda Los Gemelos, junto al rapero Zaturno. Pero fue en 1997 cuando hizo su primera grabación profesional en estudio al participar en el trabajo musical La medicina del grupo Los Tetas, uno de los pioneros del funk y del soul en la música chilena.
A la vez que participaba con Los Tetas, Ana Tijoux se sumó a la banda de rap chilena Makiza. Su primera producción con el grupo fue Vida salvaje y la segunda Aerolíneas Makiza. Fue en 2006 cuando la cantante decidió lanzarse como solista. Su primer álbum en esa modalidad fue Kaos (2007), cuyo primer sencillo es "Despabílate!". En el disco destaca también la canción "Gol", que grabó con la cantante de origen mexicano Julieta Venegas (con la que también colabora en el tema "Eres para mí", de Limón y Sal). Asimismo, Ana Tijoux hizo un rap junto al cantante uruguayo Jorge Drexler. Ambos sorprendieron cuando se llevaron el Grammy Latino a la Mejor Grabación del Año por la canción "Universos Paralelos", en la decimoquinta edición de los Grammy Latino de 2014.

El segundo disco de Ana Tijoux fue 1977 (2010), que logró Disco de Oro en Italia, y el tercero fue La Bala (2011). Con su cuarto álbum, Vengo, la artista ha logrado posicionarse en los mejores lugares de venta de Amazon e iTunes. Su trabajo, que presentó en 2015 en 10 localidades de Estados Unidos, llegó a ser número uno en iTunes Latine Alternative. De hecho, el crítico de música Jon Pareles escribió una columna en The New York Times, en la que elogió su forma de hacer música: "Sus composiciones son interpretadas con una calma asertiva, nunca con estridencia".
Mezclando ritmos y culturas, Tijoux nos lanza una bomba sonora de 17 temas, que pasa desde el tinku (Bolivia) hasta el hip hop más ácido y contestatario, incluyendo matices instrumentales con manifiestos emocionales, políticos, llenos de carencias sociales y culturales conocidas por todas y todos. Prueba de ello es "Somos Sur" (donde comparte líricas con Shadia Mansour, rapera de origen palestino); "Antipatriarca", dedicada expresamente a la liberación femenina y reivindicación de la mujer en nuestra sociedad, y "Somos todos erroristas" la que, siguiendo en la línea de las colaboraciones, posee el aporte de Hordatoj.
"Los Peces Gordos no pueden volar" es una canción dirigida a su hijo donde, por medio de su lírica, le muestra las verdades de nuestro sistema, la injusticia y como él (nosotros/as) podemos hacer de nuestro entorno un espacio mejor y más amigable. "Río Abajo" vuelve a ser un tema que exacerba ritmos autóctonos con una letra reivindicadora.
En "Oro Negro", sacando a relucir la versatilidad de su voz sin perder la rítmica del hip hop como base, Tijoux esboza nuevas críticas, esta vez contra la guerra y la ambición que hay tras ella. Un canto a la paz en su estilo, con una armonía agradable que logra su objetivo: llamar a la reflexión y dar a entender que las luchas bélicas por el poder y el enriquecimiento sólo hacen del pueblo alimento para la muerte. Otro punto álgido dentro del presente trabajo.
Fuera de ciertas comparaciones que puedan darse con otras bandas e intérpretes latinoamericanos, Tijoux ha facturado un álbum de combate que también destaca en lo musical, con un hip hop instrumental que repasa un variopinto de ritmos andinos y autóctonos que logran dar un baño nuevo al ambiente musical iberoamericano. Todo un acierto.

facebook: Anita Tijoux

tracks list:
01. Vengo
02. Somos Sur (con Shadia Mansour)
03. Antipatriarca
04. Somos todos erroristas (con Hordatoj)
05. Er-rrro-r
06. Los Peces Gordos no pueden volar
07. Creo en tí (con Juanito Ayala)
08. Los diablitos
09. Interludio Agua
10. Rio Abajo
11. Oro Negro
12. Delta (con Mc Niel)
13. No más
14. Todo lo sólido se desvanece en el aire
15. Emilia (con RR Burning)
16. Rumbo al Sol (bonus track)
17. Mi verdad (bonus track)





Divanhana - Zukva (2016)

Zukva es el título del nuevo trabajo del grupo bosnio Divanhana, que interpreta música tradicional con nuevos arreglos creados bajo la influencia del jazz, el pop y la música clásica del siglo XX. La intención de Divanhana es presentar la música urbana, no sólo de Bosnia y Herzegovina, sino también la música tradicional de toda la región de los Balcanes, con un acento particular en el estilo llamado Sevdah o Sevdalinka. La música Sevdah es el equivalente bosnio al fado portugués. Al igual que el fado, Sevdah (que deriva de la palabra turca "mal de amores") expresa los estados de ánimo románticos, la tristeza del amor perdido y la pasión adquirida, comparable a la saudade.
Divanhana fue fundado a principios de 2009 por un grupo de jóvenes estudiantes de la Academia de Música de Sarajevo. La banda grabó su disco debut Dert en 2011 en el estudio Fattoria Musica de Osnabruck (Alemania) en cooperación con Vanja Muhović. El álbum es el resultado de una investigación etnomusicóloga de dos años reflejada en el hecho de que algunas de las canciones del disco nunca fueron grabadas o publicadas antes.
En 2012, Divanhana fue invitado a participar en dos prestigiosos festivales, uno en Oporto llamado "12 Points" (dedicado al descubrimiento y promoción de jóvenes talentos del jazz europeo) como el único representante de los Balcanes. Al mismo tiempo, la banda fue seleccionada para participar en el evento mundial más importante de música, WOMEX, en Tesalónica en 2012. Ese mismo, la gira llevó a la banda a festivales de Europa Central y del Este: Hungría, Eslovenia, Croacia y Serbia. Entre los conciertos, la banda estuvo continuamente grabando en Belgrado, logrando gran éxito de audiencia con los singles grabados.
A principios de 2013, Divanhana inició su primera gira europea, con exitosos conciertos en Suecia, Alemania, República Checa y Turquía. El álbum Bilješke iz Šestice (lanzado en noviembre de 2013) coronó los dos años de gira, viaje y trabajo creativo de la banda. Después de la publicación de éste segundo trabajo, la banda se presentó en 70 exitosos conciertos en 13 países diferentes de Europa. El extraordinario interés creado en la audiencia hizo que se presentaran cuatro veces en el Balkan Trafik Festival de Bruselas.
En mayo de 2014 publicaron el tema "Zvijezda tjera mjeseca", grabado como la canción oficial de la selección nacional de fútbol de Bosnia y Herzegovina para celebrar su participación en la Copa del Mundo de Brasil. Poco después, la canción se convirtió en un éxito regional, contando con la participación del rey macedonio de la trompeta Džambo Agušev y el virtuoso de la guitarra Emir Hot, de Tuzla.
En febrero de 2015, los miembros de la banda, junto con el productor Borjan Milošević, tomaron un breve descanso de la densa agenda de conciertos para grabar nuevo material en el estudio Fattoria Musica en Osnabrück (Alemania). En mayo del mismo año, en el ambiente creativo del estudio Long Play de Sarajevo, la banda experimentó con el sonido y enriqueció su arte con las melodías de la tamburica eslava, la suavidad de la guitarra clásica de Boško Jović y el violonchelo de Lana Kostić, el virtuoso y creativo violinista serbio Filip Krumes. Y, finalmente, en colaboración con la joven y talentosa artista de Sevdah, Naida Čatić.
Todo el trabajo creativo realizado durante el año 2015 fue unificado y editado bajo un simbólico nombre: Zukva. Zukva es una manzana amarga que crece en Bosnia y Herzegovina, símbolo de las fuertes raíces del patrimonio histórico y cultural de Bosnia y Herzegovina. La banda continúa su viaje por la región de los Balcanes, recogiendo en su bolsa la rica herencia musical de la zona, melodía por melodía, como un cesto de manzanas pequeñas. En ese sendero ondulado, como el árbol de Zukva, se encuentran con rostros opuestos de tradiciones y costumbres que injertan su propia música y que dan, como resultado, el sonido del presente disco.

Página web oficial: Divanhana

Personal:
Naida Čatić: vocal
Neven Tunjić: piano
Nedžad Mušović: acordeón
Azur Imamović: bajo
Rifet Čamdžić: batería
Irfan Tahirović: percusiones

tracks list:
01. Oj Safete, Sajo, Sarajlijo
02. Da sam ptica
03. Ciganka sam mala
04. Zašto si me majko rodila
05. Otkako je Banja Luka postala
06. Emina
07. Sejdefu majka buđaše
08. Zvijezda tjera mjeseca (feat. Emir Hot & Džambo Agušev)
09. Pijanica, bekrija
10. Zapjevala sojka ptica





Sidestepper – Supernatural Love (2016)

Sidestepper es un grupo que ha sido parte importante de la escena musical iberoamericana revolucionando los sonidos tradicionales de la región al mezclarlos con vanguardias sonoras. Su mezcla particular incluye elementos de la música antillana: un poco de dub, drum and bass, dancehall y el ingrediente base, la música colombiana. El grupo liderado por el productor inglés Richard Blair, con su particular fusión, ha inspirando a toda la nueva generación de grupos, iniciando la nueva ola de la música electro-acústica en Colombia desde 1997.
Entre sus filas ha tenido a importantes artistas como el compositor y cantante Iván Benavides (quien fuera la otra mitad de Sidestepper durante una década), Andrea Echeverri (de Aterciopelados), Gloria "Goyo" Martinez (de Choquibtown), Humberto Pernett y Kike Egurrola (de Bomba Estéreo), entre otras y otros.

Cuando se trata de introducir el sabor del groove afrocaribeño en las profundidades de la electrónica, Richard Blair y compañía son pioneros. Supernatural Love es su trabajo más reciente (realizado con ayuda de una campaña de crowfunding), en el que participan Juan Carlos "Chongo" Puello, Eka Muñoz, Ernesto "Teto" Ocampo y "Batatica". Un trabajo innovador en la mezcla de sonidos de todo el mundo, explorando sonidos africanos (Nigeria y El Congo), del Caribe y, por supuesto, los colombianos como la cumbia y el bullerengue. Se trata de un repertorio en el cual cada pieza resulta embriagante, y en conjunto funcionan como un paisaje sonoro cálido y contemplativo que evoca cierta ancestralidad, que es un viaje por los ritmos mestizos pero también el ingrediente para estimular los oídos y danzar en una playa del Caribe.
Sin sobreproducción y de forma natural, Supernatural Love sirve a la persona oyente doce temas que amplifican sus posibilidades expresivas más allá de las convenciones que se ciñen sobre los ritmos que fusionan. Con los cortes de este trabajo, se dejan expuestos los elementos multiculturales que les caracterizan, cada canción da la impresión de ser un ejercicio de exploración de algunos de los sonidos regionales de la zona: tambores de mano, sacudidores de semillas y coctelera, kalimbas, flautas y guitarra, conduciendo la voz melódica y el bajo sintetizador siempre presente, llenándonos de un verdadero sentimiento de unidad con la naturaleza y la vida en sí misma.

Página web oficial: Sidestepper

tracks list:
01. Fuego que te llama
02. On the line
03. Supernatural love
04. Come see us play
05. Magangué
06. Song for the sinner
07. Lover
08. La flor y la voz pt 1
09. La flor y la voz pt 2
10. Hear the rain come
11. Celestial
12. Supernatural soul





Blick Bassy – Akö (2015)

El cantante y compositor Blick Bassy, celebrado como "la nueva voz soul" de Camerún, nos trae su última producción Akö bajo el exquisito sello No Format!. Un disco íntimo y singular que marca un nuevo punto de partida en la carrera de este músico camerunés, afincado desde hace una década en Francia.
Un trabajo que habla del hogar y la separación… pero lo más importante para él es el idioma en el que canta, principalmente, en el disco: el Bassa. Como el mismo señala "En Camerún tenemos 260 idiomas diferentes y en unos cuantos años la mayoría de ellos habrá desaparecido. El idioma todavía es el vínculo entre nosotros y nuestro patrimonio... si yo no hablo Bassa, mi abuelo no puede enseñarme lo que sabe".
Blick Bassy creció en un pueblo llamado Mintaba en el centro de Camerún. Su padre construyó una iglesia donde su madre enseñaba a tocar kora, mientras que Bassy y sus hermanos cantaban. Bassy se nutrió desde la infancia de la cultura tradicional de su país, transmitida sobre todo por sus abuelos, al tiempo que sus padres lo conectaron con la música de Brasil y Estados Unidos, a través de la obra de Gilberto Gil o Nat "King" Cole, entre otros. Este es el punto de partida del mestizaje de su obra.

Bassy empezó su carrera en Africa, inspirándose paralelamente en la tradición musical de Camerún, el jazz y la bossa nova. Tras ganar varios premios internacionales, se estableció en París, donde lanzó su primer disco individual, Léman (2009). En 2011 publicó Hongo Calling, una historia del ritmo tradicional hongo y de su viaje a países como Senegal, Cabo Verde o Brasil. Akö (2015) completa la discografía de Bassy e indica nuevos rumbos.
Akö se caracteriza por su tendencia a la introspección y por una estética personal, presente ya en los trabajos previos de Bassy, pero llevada aquí a bellos gestos en forma de detalles diminutos. En sus canciones encontramos ecos de su herencia cultural y de las músicas que ha ido absorbiendo a lo largo de su vida. Son fragmentos inclasificables, que desafían cualquier intento de etiquetaje.
El canto de Bassy va desarrollándose con las evocaciones del blues y de cierto sonido de Nueva Orleans, con un trasfondo de africano. A ese paisaje van añadiéndose formas como la armónica de Olivier Ker Ourio, los samples de Nicolas Repac, el cello de Clément Petit o el trombón de Fidel Fourneyron, texturas que se suman a las entonaciones de Bassy en Bassa. Bassy no solo utiliza el idioma Bassa como elemento diferenciador, de conexión con sus raíces, sino también como un modo de asumir el canto.
Blick Bassy ha ido consolidando una propuesta musical muy personal, que adquiere fuerza y sentido a partir de su experiencia en dos continentes, y que sigue expandiéndose, acogiendo nuevas estéticas y nuevas combinaciones sonoras. Para no perdérselo.

Página web oficial: Blick Bassy

tracks list:
01. Aké
02. Kiki
03. Wap Do Wap
04. Lon
05. Tell Me
06. One Love
07. SJ
08. Mama
09. Ndjè Yèm
10. Moût
11. Ndjèl